Un bâtiment peut-il avoir combien de vies ??? Réponse au Palais de Chaillot…

Le propos de cette exposition à dimension éthique, fuyant toute idée nostalgique, est de recentrer le débat sur la métamorphose du patrimoine moderne (de la mi-XIXe à la fin du XXe siècle), et notamment celui des Trente glorieuses , le moins considéré et le plus en danger, car souvent jugé plus facilement renouvelable, pour ne pas dire plus aisément «jetable»

Et si on arrêtait de démolir systématiquement pour construire ?

On a tous en tête l’inconsolable massacre des Halles de Baltard... et la polémique sur la destruction de l’usine de l’île Seguin, archétype s’il en est.

Il y a une logique à transformer, à agir sur l’existant, à enclencher la mutation du patrimoine. C’est sans doute cela la nouvelle expérimentation spatiale, technique et programmatique du XXIe siècle.

« Un bâtiment, combien de vies ? » est une exposition à dimension éthique fuyant toute idée nostalgique. Pensée pour s’intégrer temporairement au parcours du musée, elle fait le point sur ce sujet indissociable de la question urbaine : la réutilisation pour ouvrir la voie de la renaissance, le recyclage pour stimuler de nouveaux usages.

Ce type de « transgression » – se distinguant de la restauration et de la réhabilitation – est appelé à se banaliser dans le processus de la réversibilité de la ville contemporaine.

De célèbres exemples comme la basilique de Palladio à Vicenza ou le théâtre de Marcellus à Rome, jusqu’à la Dogana da Mar à Venise par Tadao Ando ou le Neues Museum à Berlin par David Chipperfield, nous rappellent que la mutation du patrimoine est à l’œuvre depuis des siècles. Et l’on n’oubliera pas que la saline royale de Ledoux a connu plusieurs vies : usine-logements, camp d’internement, musée.

Mais le propos, ici, est de recentrer le débat sur la métamorphose du patrimoine moderne (de la mi-XIXe à la fin du XXe siècle), et notamment celui des « trente glorieuses », qui est le moins « considéré » et le plus en danger, car souvent jugé plus facilement renouvelable, pour ne pas dire plus aisément « jetable ».

C’est donc bien en termes d’alternative à la destruction que la revitalisation d’un tel patrimoine se pose, croisant de facto la thématique de « construire la ville sur la ville » remise à l’agenda par les études prospectives sur le Grand Paris, après l’expérience concluante de l’IBA d’Emscher Park dans la Ruhr. Et les métropoles régionales ne sont pas en reste, regardons notamment l’île de Nantes (Alexandre Chemetoff, 307ha), Lyon-Confluence (Herzog & De Meuron, 150ha), autant de stratégies activant le « déjà-là », développées à l’échelle territoriale.

La mutation du patrimoine industriel est une dynamique issue des Etats-Unis qui prendra racine en Europe avec des opérations pionnières telles la Fabrica à Barcelone (cimenterie transformée en agence et résidence par Ricardo Bofill en 1975) et l’usine Leblan à Lille, l’une des toutes premières reconversions en logements sociaux opérée en France par Reichen et Robert en 1980.

Très vite, dans les années 1990, d’autres expériences vont être menées sur des immeubles de logement construits dans les années 1960 et 1970, rue Nationale à Paris par Christian de Portzamparc ou le « remodelage » de barres à Lorient par Roland Castro.

Dans un tout autre champ, on a même vu des bâtiments hyperspécifiques se transformer, comme l’American Center de Gehry, qui a connu une renaissance rapide avec l’installation de la Cinémathèque à Bercy. À l’inverse, on a vu comment l’hypergénérique peut donner lieu à une expérimentation qui questionne l’éphémère avec le musée Nomad par Shigeru Ban, à partir de l’élément le plus basique qu’est le container.

Réutiliser, recycler, c’est la logique de l’époque, une démarche qui s’apprécie à l’aune des stratégies à déployer dans une optique « durable ». « Le durable, c’est le transformable », affirme Christian de Portzamparc. Nouveau manifeste pour nouveau paradigme. Réversibilité rime alors avec mutabilité.

Quoi de plus durable que la longévité assurée ? Lutter contre l’obsolescence (programmée), c’est l’objet de la démarche. Le patrimoine industriel est un champ illimité d’expérimentation en la matière. Mais la question dépasse le seul champ de la reconversion industrielle pour s’étendre à tous types de bâtiments.

Il s’agit de donner une deuxième vie (voire une troisième) à une architecture de qualité, comme à des constructions bien plus banales. « Modifier la forme d’un appartement, faire évoluer la structure d’un immeuble, voire d’un ensemble de constructions, c’est prendre en compte la flexibilité qui caractérise la vie actuelle », soulignent Jean Nouvel, Jean-Marie Duthilleul et Michel Cantal-Dupart dans leur étude du Grand Paris.

C’est l’opportunité de requestionner la fonction (dont on a longtemps dit qu’elle créait la forme) en repositionnant l’usage. « Ne rien perdre et gagner sur tout », martèlent Lacaton & Vassal. Il y a donc un réel défi à assurer cette continuité.

L’exposition vient nourrir la réflexion au regard des menaces qui pèsent sur des bâtiments emblématiques comme le Métal 57 à Boulogne- Billancourt, l’ex-école d’architecture de Nanterre, ou le Stadium de Vitrolles ; ou bien encore, à l’étranger, la centrale de Battersea à Londres (dont il ne reste plus que les façades) ou le site de la Foire de Tripoli au Liban, œuvre de Niemeyer. Il y va de la reconnaissance d’un patrimoine comme d’une démarche.

Dans une approche pragmatique de la mutabilité, plusieurs hypothèses sont étudiées : le recyclage (sans changement d’usage), la reconversion (avec nouvelle destination), la revitalisation d’un site (la notion de pièce urbaine).

Dans le processus de réévaluation, de redimensionnement, de reconditionnement, on s’attachera à examiner les exercices qui bousculent les usages comme la typologie : la surélévation (et/ou la reconquête en sous-sol), l’adjonction ou l’extension (greffe contemporaine), la restructuration (dans la même enveloppe), et toutes les expériences hybrides.

Si, en France, des réalisations exceptionnelles telles que l’extension du palais des beaux-arts de Lille par Ibos et Vitart (1990-1997) ou le Centre national de la danse à Pantin (1999-2004) ont marqué les esprits, la démarche de transformation a déjà ses icônes mondiales :

- le Sesc Pompeia à São Paulo, par Lina Bo Bardi (1977-1982), exercice de « transformation-extension » d’une usine de 1938, croisement du sport et de la culture ; - le Lingotto à Turin, par Renzo Piano (1983-2002), exercice de mutation du fonctionnel au multifonctionnel à l’échelle d’un bâtiment autonome de 500 m de long construit en 1922 ;

- la Tate Modern à Londres, par Herzog & de Meuron (1994-2000 puis 2006- 2016), en situation de reconquête et de création d’une nouvelle centralité sur la rive sud de la Tamise, exercice de transformation d’une usine électrique de 1960, et plus tard extension pour gérer son succès ;

- le Reichstag à Berlin, par Norman Foster (1991-1999), reconquête d’un bâtiment à haute valeur « historique » datant de 1894. Fait important à souligner, ces quatre bâtiments-références développent, chacun à leur manière, une stratégie urbaine en termes d’usages et de prolongement de l’espace public.

Par ailleurs, l’exposition se place dans l’actualité de transformations urbaines significatives, telles que l’entrepôt McDonald, une barre de 700 mètres de long (dont 50 % pour du logement) dans le XIXe arrondissement de Paris, la tête du Pont de Sèvres à Boulogne-Billancourt, le quartier de La Part- Dieu à Lyon, la Friche de la Belle-de-Mai à Marseille.

« La clé est d’utiliser et de réutiliser encore. C’est comme penser et repenser les choses. L’architecture est juste une manière de penser les choses en termes de réalité », écrivent Miralles et Tagliabue (EMBT), auteurs de la transformation du Mercat Santa Caterina, exemple de régénération d’un quartier ancien de Barcelone.

Longtemps, ce type d’opération de « rénovation » a été considéré comme relevant de la technique et d’une simple mise aux normes ou en conformité, l’enjeu est ici de démontrer qu’il s’agit d’un acte de création à part entière.

Cité de l’architecture & du patrimoine

www .citechaillot.fr

1, place du Trocadéro et du 11 Novembre 75116 Paris +33 (1) 1 58 51 52 00

Une Invention au Louvre par Mark Lewis

Le musée du Louvre poursuit son programme d’art contemporain en présentant cet automne 2014 une création de l’artiste canadien Mark Lewis, dont l’œuvre, reconnue internationalement, se développe dans le champ des arts visuels à partir du film. Après l’invitation à Walid Raad, en 2013 au département des Arts de l’Islam, c’est au tour de Mark Lewis de développer un projet de recherche artistique basé sur les collections du musée et se déclinant sous trois formes : une exposition temporaire dans la salle de la Maquette du 9 octobre 2014 au 5 janvier 2015, un livre d’artiste et, en novembre, une carte blanche de trois jours à l’auditorium.

Sous le titre d’Invention au Louvre, Mark Lewis donne forme à une archéologie du cinéma dans l’histoire de l’art. À travers quatre films conçus et réalisés au musée, un livre et une programmation, l’artiste canadien confronte les images en mouvement au mouvement imaginé qui, de tout temps, a travaillé les mythes et la réception de la création artistique.

Exposition : « Mark Lewis. Invention au Louvre » Présentée dans la salle de la Maquette, attenante aux fondations médiévales du palais dans l’aile Sully, l’installation donne à voir quatre films projetés en boucle. Inspirés tant par les collections du Louvre que par l’expérience muséographique du visiteur, ce sont de brefs essais filmiques silencieux, typiques du langage de Mark Lewis, dont le travail assume une référence poétique au cinéma primitif des frères Lumière.

Programmation à l’auditorium et dans la salle audiovisuelle : Animations/Carte blanche à Mark Lewis et à Laura Mulvey Avec Laura Mulvey, théoricienne féministe du cinéma, Mark Lewis a développé, de longue date, un dialogue proche de la collaboration créative. Avec cette carte blanche, ils s’associent pour inviter à regarder autrement quelques rares chefs d’œuvres de l’histoire cinématographique.

Publication : Mark Lewis, Inventio, 2014 Publié aux Éditions Énigmatiques, éditeur spécialisé dans le livre d’artiste, ce volume conçu par l’artiste présente un montage visuel sans précédent, où dialoguent l’histoire du cinéma et celle de la peinture.

Les œuvres du musée du Louvre à travers le regard de Mark Lewis Depuis ses débuts dans les années 1990, l’œuvre de Mark Lewis semble traverser à rebours l’histoire des images. Peinture, photographie et cinéma entretiennent dans ses films silencieux, présentés en boucle, une conversation subtile. Se référant aux frères Lumière, qui lui ont inspiré les formes brèves et ramassées de ses propres œuvres, l’artiste canadien place l’exploration optique au centre de l’expérience artistique. Écartant toute narration, son œuvre invite à une absorption directe dans le visible. Un nouvel espace temporel s’invente, où se croisent les chemins du regard et ceux de la mémoire, les temps mêlés de l’image en mouvement et les durées internes de la perception.

Sous le titre d’Invention au Louvre, Mark Lewis a conçu quatre nouveaux films à partir des collections du musée. En observant tour à tour le petit panneau primitif de Giovanni Sassetta, Le Bienheureux Ranieri délivre les pauvres d’une prison de Florence, L’Enfant au toton de Chardin, ou encore la galerie de la Vénus de Milo, l’artiste réactive une tradition ancienne de la littérature artistique : celle du mouvement imaginé. Diderot, dans sa critique du Salon de 1763, invitait le spectateur à évoluer de plain-pied dans les paysages de Joseph Vernet par le truchement d’une lunette ; Goethe, face au groupe sculpté du Laocoon au Vatican, préconisait de cligner des yeux pour en « animer » optiquement les tragiques figures ; Girodet, dans son poème Le peintre, s’identifiait sans détours au mythe de Pygmalion, s’attribuant le pouvoir d’insuffler aux images la vie elle- même. Le film, suggère Mark Lewis, s’est inventé avant la technique du cinéma, dans le regard du spectateur.

Biographie de Mark Lewis

Né à Hamilton (Ontario) en 1958, Mark Lewis vit et travaille à Londres. Se consacrant tout d’abord à la photographie, il commence à réaliser des films dans la moitié des années 1990. L’artiste utilise le film comme un médium installé dans l’espace d’exposition, questionnant les formes culturelles dominantes telles qu’elles se reflètent dans le cinéma. Plus généralement, ses films s’intéressent au quotidien à travers le filtre d’une large culture visuelle, sans dépendre pour autant de la citation directe ou de la référence érudite. En 2009, Mark Lewis a représenté le Canada à la 53e Biennale internationale d’Art contemporain de Venise avec son exposition « Cold Morning ». En 2011, il a réalisé à la National Gallery de Londres le film Black Mirror at the National Gallery. Actuellement, il prépare une collaboration avec le Museu de Arte Moderna de São Paulo qui sera présentée à la Biennale d’Art contemporain de São Paulo en 2014. Parmi ses récentes expositions personnelles : « Mark Lewis : Pull Focus » au Vanabbemuseum de Eindhoven, en 2013, « Mark Lewis : 8 Days » à la Vancouver Art Gallery de Vancouver. Mark Lewis enseigne au Central Saint Martins College of Art de Londres, à la University of the Arts de Londres et il est cofondateur et coéditeur, avec Charles Esche, de la revue Afterall – A Journal of Art, Context and Enquiry (Londres, Los Angeles et Anvers).

Informations pratiques—Exposition

Salle de la maquette, Aile Sully

Adresse :
Musée du Louvre, 75058 Paris - France

Téléphone :
+ 33 (0)1 40 20 53 17

Horaires :
Les mercredis 24 et 31 décembre 2014, le musée est ouvert de 9h à 17h (évacuation des salles à partir de 16h30).
Il n’y a pas d’ouverture du musée en nocturnes ces soirs-là.
Ouvert tous les jours de 9h à 18h sauf le mardi
Nocturnes jusqu’à 21h45 le mercredi et le vendredi.

Fermetures :
Les 1er janvier, 1er mai et 25 décembre

Horaires

Tous les jours, sauf le mardi, de 9h à 17h45, les mercredi et vendredi jusqu’à 21h45.

Tarifs

Billet collections permanentes : 12 € Accès libre pour les moins de 18 ans, les moins de 26 ans résidents de l’U.E., les chômeurs, les titulaires des cartes Louvre jeunes, Louvre familles, Louvre professionnels et Amis du Louvre.

Renseignements : 01 40 20 53 17 www.louvre.fr

Image : Mark Lewis, Invention au Louvre, 2014. Film HD coul., sil. © Mark Lewis et l’ONF

Une relecture de la période du XIe au XVe siècles du Maroc Médiéval... au Louvre jusqu'au 19 janvier 2015

Un empire de l’Afrique à l’Espagne. L’exposition incite à relire la période du XIe au XVe siècles, véritable apogée de l’Occident islamique, tant du point de vue historique qu’artistique. Une succession de dynasties — almoravide, almohade et mérinide — ont unifié un espace politique et civilisationnel centré sur le Maroc, regroupant des territoires de l’Afrique sub-saharienne jusqu’en Andalousie. L’influence de ces empires, unissant pour la première fois les confins de l’Occident islamique, a rayonné jusqu’en Orient. Réunissant près de 300 œuvres, cette importante exposition, organisée par le musée du Louvre et la Fondation nationale des musées du Maroc, présente les plus belles réalisations dans les domaines du décor architectural, du textile, de la céramique ou de la calligraphie et permet d’appréhender cette longue et riche histoire, clef de compréhension du Maroc contemporain et source de sa modernité.

Le Maroc médiéval invite à un voyage dans l’espace marocain et andalou, suivant un fil chronologique, chacune des périodes historiques est ponctuée d’éclairages sur les lieux de pouvoir et capitales historiques, cités d’or et de lumière. De Fès à Séville en passant par Aghmat, Tinmal, Marrakech, Ceuta, Rabat ou Cordoue, le parcours retrace les chantiers architecturaux majeurs et les œuvres créées pour ces villes. Chefs-d’œuvre célèbres et spectaculaires (tel que le lustre- cloche de la mosquée al-Qarawiyyin de Fès), récentes découvertes et objets méconnus, se croisent au sein de l’exposition. Eléments d’architecture (portes, chapiteaux), mobilier et objets servant au culte (minbars, bassins d’ablutions, manuscrits) ou témoignages de la vie quotidienne (céramiques, pièces de monnaie) conservés dans les musées, mosquées et trésors d’église : tous apportent un nouvel éclairage de cette aire du monde islamique jusqu’à présent essentiellement lue depuis la rive andalouse.

Les conquêtes de ces grandes dynasties les ont menées du sud du désert du Sahara au nord de l’Algérie, de la Tunisie et de la Libye actuelles. L’exposition replace cette puissante entité au centre des réseaux diplomatiques et commerciaux qui furent les siens, des confins subsahariens jusqu’aux cités commerçantes de l’Italie médiévale, des royaumes chrétiens du nord de l’Espagne jusqu’au sultanat mamelouk d’Égypte. Elle permet aussi de rappeler qu’historiquement le Maroc fût un créateur d’empires.

Image : Madrasa El Attarine, Fès, Maroc. © L. Schneiter / Les Editions de Makassar.

Les Idissides et la fondation de Fès (fin VIIIe siècle - milieu Xe siècle)

L’exposition ouvre sur le territoire du Maghreb al-Aqsa – Maghreb occidental (actuel Maroc) – au lendemain de sa conquête par les troupes arabes, suite à l’arrivée en 789 d’un descendant du prophète Mohammed, Idris Ier. Installé dans l’ancienne colonie romaine de Volubilis, ce dernier va rapidement générer un véritable royaume autonome, celui des Idrissides. L’urbanisation du Maghreb occidental est en marche, et se traduit notamment par la fondation de Fès, capitale spirituelle et culturelle du Maroc jusqu’à nos jours. Rares sont les témoignages matériels de cette époque, au nombre desquels comptent des monnaies d’argent et l’une des pièces maîtresses de cette première partie de l’exposition, le minbar de la mosquée des Andalous. Ce royaume s’inscrit dans une dynamique régionale complexe, dont témoigne la coexistence avec le royaume de Sijilmassa au Sud, maître des routes de l’or.

Les Almoravides : le premier empire entre Afrique et Espagne (1049-1147)

Le déclin de la dynastie idrisside au milieu du Xe siècle va permettre l’arrivée sur le devant de la scène politique des Almoravides au milieu du siècle suivant. Ces derniers, issus d’une confédération de nomades berbères venus des franges nord de la Mauritanie, sont portés par une volonté de réforme religieuse sunnite et malikite. C’est en armes que ces hommes au visage voilé parviennent rapidement à redessiner la cartographie de l’Occident musulman en formant pour la première fois un empire étendu du sud du Sahara au nord de la péninsule ibérique. Ils contrôlent donc les pistes caravanières, que traduisent la présence dans l’exposition d’une stèle d’Almería trouvée à Gao et le trésor monétaire de Tidjikja (Mauritanie). Leur empire s’appuie sur une nouvelle capitale fondée en 1070, Marrakech, évoquée dans l’exposition grâce à des autochromes. Les importants travaux d’embellissement de la mosquée al-Qarawiyyin de Fès témoignent de la piété almoravide.

Les productions de luxe des ateliers espagnols et notamment Almería, circulent dans tout l’empire pour réapparaître dans certains trésors d’église, comme la chasuble de Saint Exupère de la basilique Saint-Sernin de Toulouse, exceptionnellement exposée dans son intégralité.

Les Almohades, ou la refondation d'un empire autour du dogme religieux (1147 - 1269)

La seconde moitié du XIIe siècle est marquée par un affaiblissement du pouvoir central, et des révoltes populaires guidés par des chefs spirituels appelant à la réforme religieuse de l’empire. L’un d’entre eux, Ibn Tumart se proclame le nouveau guide, Mahdi, de la communauté : il parvient rapidement à fédérer les tribus berbères du sud du Maroc, autour d’un nouveau dogme unitariste. Les Almohades, partent alors à la conquête de l’empire almoravide qu’ils vont étendre jusqu’à la Libye actuelle, imposant à ce territoire la conversion à leur dogme. Témoin de cette période, le philosophe juif Maïmonide, dont un manuscrit autographe est exposé, est finalement poussé à l’exil. L’empire centralisé qu’ils élaborent s’articule autour de trois capitales que sont Marrakech et Séville mais également Rabat, qu’ils fondent en commémoration de leur effort de djihad en péninsule ibérique et de la victoire d’Alarcos. L’économie connaît une nouvelle période de faste qu’évoque la correspondance entretenue entre Pise et Tunis.

L’idéologie almohade s’appuie alors sur une propagande complexe qui passe par une nouvelle culture visuelle où la calligraphie occupe une place inédite et où certains motifs, comme le lion, sont symboliquement réinvestis. La berbérité, et tout particulièrement la langue, sont pour la première fois l’objet d’une politique d’affirmation.

Les Mérinides : une nouvelle dynastie centrée sur la figure du souverain (1269-1465)

Les difficultés militaires en Andalousie qui se produisent au début du XIIIe siècle sonnent le glas de ce deuxième empire qui va se morceler. Au Maghreb al-Aqsa, c’est la tribu berbère des Mérinides qui met un terme définitif au califat almohade en 1269 avec la chute de Marrakech. Si elle n’est portée par aucune volonté de réforme religieuse spécifique, cette dynastie va néanmoins s’appuyer sur une propagande complexe notamment articulée au soufisme et au chérifisme et qui fait du sunnisme malikite la foi officielle. Elle s’approprie donc naturellement Fès, qui est symboliquement réinvestie en sa qualité de ville fondée par les Idrissides et cénacle religieux, dont elle fait sa capitale. Elle est dotée de nombreuses madrasas, ces collèges de sciences religieuses formant les élites du royaume, qui sont parées des plus beaux décors. Une nouvelle figure de souverain pieux apparaît, qui s’incarne dans la nécropole dynastique de Chella. Tourné vers la Méditerranée, le sultanat mérinide entretient d’importantes relations avec les royaumes chrétiens, d’Aragon ou de France, mais également avec ses coreligionnaires nasrides à Grenade, ziyanides à Tlemcen, hafsides à Tunis ou encore mamelouks au Caire. L’apogée de la période, le deuxième quart du XIVe siècle, porte en germe les ingrédients de sa fin, avec l’arrivée de la Peste noire à l’est et l’avancée inexorable des Chrétiens au nord. Dans le même temps commence à s’épanouir le souffle mystique et chérifien qui porte au pouvoir les futurs Saadiens.

Parcours de l’exposition

Volubilis et la naissance du Maghreb al-Aqsa (788-927)

Le territoire du futur Maroc est aux yeux des conquérants arabes le point le plus éloigné de la terre. Il prend donc le nom de Maghreb al-Aqsa, qui signifie dans la langue arabe « l’Occident le plus éloigné ». Conquis par les troupes arabes à la fin du VIIe siècle, cet espace où les anciens sites romains sont encore occupés se morcelle rapidement en plusieurs principautés. Des communautés juives et chrétiennes sont installées et conservent leurs traditions antiques. En 788, un descendant du Prophète Muhammad, Idris (r. 789-791), arrive au Maghreb al-Aqsa. Il fuit Bagdad, et le calife abbasside. Une tribu amazighe (berbère) convertie à l’islam accueille Idris et le proclame imam (chef de la communauté). Il s’installe dans l’ancienne colonie romaine de Volubilis (Maroc actuel), où il crée un royaume autonome. Ce royaume est mal connu : peu de vestiges matériels sont conservés. Ceux que l’on présente témoignent de l’adoption progressive de l’islam et de la langue arabe.

La fondation de Fès au début du IXe siècle

Idris II (r. 808-828), fils et successeur d’Idris Ier, quitte Volubilis au début du IXe siècle. Il part s’installer sur le site de Fès, qui vient d’être fondé. La ville est très vite constituée de deux quartiers distincts séparés par un oued. On les appelle bientôt le quartier « des Kairouanais » et le quartier « des Andalous ». Chacun possède une grande-mosquée pour la prière du vendredi et plusieurs oratoires. Deux sont parvenus jusqu’à nous : la mosquée des Kairouanais (al-Qarawiyyin) et la mosquée des Andalous. Agrandies et embellies jusqu’à nos jours, ces deux mosquées conservent quelques rares témoignages de l’époque idrisside. À la mort d’Idris II, le royaume est divisé entre ses douze fils. Les puissants califats qui l’entourent se disputent sa domination : le califat fatimide, qui règne à l’est, sur la région de la Tunisie actuelle, et le califat omeyyade, au nord, qui domine la péninsule Ibérique. Leur volonté parallèle de régner sur la ville de Fès se traduit par des réalisations architecturales, comme le minaret de la mosquée al-Qarawiyyin en 956, édifié sur ordre du calife omeyyade.

La principauté de Sidjilmasa aux IXe -Xe siècles

La principauté idrisside s’inscrit dans un contexte régional complexe. Elle est bordée, au nord, par celle de Nakur, et à l’ouest par celle des Berghawattas. Au sud se trouve la principauté de Sidjilmasa, aux mains des Midrarites. C’est une cité marchande prospère située sur les routes des caravanes, où se croisent les marchands venus chercher l’or et les matières précieuses du Sahara et du fleuve Niger. La principauté frappe des monnaies en or. Elle est habitée par des kharidjites, venus d’Orient. Le kharidjisme est une des grandes branches de l’islam aux côtés du sunnisme et du shiisme. Des décors en stuc témoignent de la splendeur des monuments de cette ville en plein désert.

Les Almoravides : le premier empire amazighe (berbère) (1049-1147)

Vers le milieu du XIe siècle émerge une confédération de tribus berbères venues des franges nord de la Mauritanie. On les nomme Almoravides. Ces combattants au visage voilé, comme c’est l’usage chez les grands nomades, progressent militairement. Ils tentent d’abord de contrôler les « cités de l’or » situées au sud du Sahara. Ces villes de l’Afrique de l’Ouest, comme Gao, structurent les routes des caravanes. La maîtrise de l’or permet aux Almoravides de financer leurs conquêtes. Ils se tournent désormais vers le nord et font étape à Sidjilmasa, puis à Aghmat, avant de fonder Marrakech. Leur progression est ininterrompue jusqu’au nord de l’Espagne, où se stabilise la frontière. L’arrivée de marchands musulmans au sud du Sahara a permis l’introduction de l’islam et de la langue arabe. Le mouvement de conversion au sud du Sahara est favorisé par l’Empire almoravide, dont l’étendue permet une grande circulation des hommes, des marchandises et des idées. En Afrique de l’Ouest se mêlent alors langue arabe, langue berbère, islam et animisme (croyance en l’existence d’âmes animant les êtres vivants et les éléments naturels). Cependant, au-delà de la boucle du Niger, la plupart des peuples conservent leurs rites et leurs croyances.

Le commerce maritime et les échanges

L’immense Empire almoravide est puissant et commerce activement. À la richesse des caravanes au sud s’ajoute le dynamisme de grands ports méditerranéens au nord. Almería, en Espagne, est le principal port de l’empire et le siège de son amirauté. La ville, qualifiée de « porte de l’Orient », est également un centre artisanal réputé pour ses soieries et le travail des métaux. Les fouilles archéologiques ont révélé l’étendue de ses activités artisanales : on y fabrique des céramiques multicolores et des stèles en marbre que l’on retrouve aux quatre coins de l’Empire almoravide. Almería tombe en 1147 aux mains des puissances chrétiennes, qui détruisent la ville, sonnant le glas de la prospérité almoravide.

Raffinement de l’art almoravide

Les chroniques historiques attestent de l’utilisation par les souverains almoravides de luxueuses soieries. Elles sont destinées à leur propre usage ou offertes en présent à leurs proches et à des alliés. La production est considérable et beaucoup font l’objet d’un commerce. La plupart de celles qui nous sont parvenues ont été conservées dans des trésors d’églises ou dans les tombes de membres des familles royales chrétiennes du nord de la péninsule ibérique. Il s’agissait en effet de tissus d’une grande finesse, très prisés par les souverains de l’époque. Leur décor, polychrome et doré, figure de magnifiques motifs animaliers. Les ateliers où ils auraient été produits ne sont pas connus, bien qu’ils soient le plus souvent attribués à la ville d’Almería. Le raffinement de leur décor se retrouve dans le travail du métal, sur des lampes, plateaux et encensoirs, ainsi que sur des boîtes en ivoire de la même période.

La fondation de grandes mosquées impériales

Les Almoravides font du sunnisme, l’une des trois branches de l’islam, et du courant juridique malikite leur doctrine officielle. Grâce à l’appui du pouvoir, la période est intellectuellement très riche. Les sciences juridiques connaissent un développement sans précédent. Ce renouveau est porté par de célèbres Grands juges, tels Ibn Rushd al-Djadd (1058-1126) à Cordoue, et le Qadi ‘Iyad (1043-1083) à Ceuta. Ces derniers rédigent d’importants traités de droit et de sciences religieuses. Par ailleurs, les souverains construisent et embellissent des grandes mosquées sur tout le territoire. La capitale almoravide est située à Marrakech, mais la prestigieuse ville de Fès n’est pas oubliée. La mosquée al-Qarawiyyin, fondée au 9e siècle, est agrandie. Elle est dotée d’éblouissantes portes plaquées de bronze, ainsi que d’un nouveau minbar, achevé en 1144. Une nouvelle grande-mosquée est fondée à Tlemcen, qui marque les limites de l’empire à l’est. Son mihrab, disposé dans le mur de la mosquée indiquant l’orientation de la prière, est décoré de stuc et éclairé d’une belle coupole qui laisse passer les rayons du soleil. D’autres mosquées plus humbles, comme à Chichaoua, sont érigées ou refaites à l’époque almoravide. Dans cette atmosphère de piété se développe également un courant spirituel particulier, le soufisme, promis à un grand avenir.

Les Almohades, ou la refondation d’un empire autour d’un nouveau dogme religieux (vers 1147-1269)

La seconde moitié du XIIe siècle est marquée par un affaiblissement du pouvoir almoravide et des révoltes populaires. Ibn Tumart est l’un des instigateurs de ces mouvements au sud du Maroc. Son but est double : réformer la religion et conquérir le pouvoir politique. Rapidement, il parvient à fédérer différentes tribus amazighes (berbères) autour de son message religieux et de sa volonté de réforme. Ibn Tumart se proclame Mahdi, celui qui doit restaurer la religion et la justice avant la fin du monde. Ses partisans sont appelés les Almohades. Ils se réfugient d’abord à Igiliz, dans les montagnes de l’Anti-Atlas, commandés par le premier disciple d’Ibn Tumart, ‘Abd al-Mu’min. Peu après, les Almohades se déplacent vers le nord et s’installent dans le Haut Atlas, à Tinmal. À partir de cette base, ils lancent plusieurs assauts contre Marrakech dès 1126, et partent à la conquête de l’Empire almoravide. Ils étendent leur territoire jusqu’à la Libye actuelle. Tinmal est le coeur spirituel du mouvement : même après l’installation des Almohades à Marrakech, elle sert de nécropole à la dynastie que fonde ‘Abd al-Mu’min. Celui-ci construit sur le site une magnifique mosquée en souvenir d’Ibn Tumart.

Djihad militaire et conquêtes territoriales

Les Almohades veulent imposer à l’ensemble du monde islamique la réforme religieuse professée par Ibn Tumart. À l’intérieur de leur empire ont lieu des conversions forcées. Témoin de cette période, le philosophe juif né à Cordoue Maïmonide (mort en 1204) est finalement poussé à l’exil au Maghreb, puis en Égypte. Les Almohades mènent le djihad, guerre de défense du territoire de l’islam. En 1147, une coalition de puissances chrétiennes s’empare de plusieurs villes d’al-Andalus, dont le port d’Almería. Cet épisode précipite l’arrivée des Almohades en péninsule Ibérique : ces derniers légitiment leur pouvoir en s’appuyant sur la défense d’al- Andalus. En 1195, leur victoire à Alarcos, en Castille, stabilise la frontière nord de l’empire. En vingt ans, les Almohades construisent un nouvel empire ralliant les territoires des rives de l’Atlantique à la Libye, et du sud du Maroc au centre de l’Espagne.

Les trois capitales de l’Empire almohade

L’Empire almohade s’articule autour de trois capitales, Marrakech, Rabat et Séville. Dans ces villes est lancée une politique de grands travaux. Au sud de Marrakech, une nouvelle ville est construite, qui abrite les services de l’État. Cette Qasba, ville de commandement, est dotée, vers 1190, d’une grande mosquée. Son minaret porte un somptueux décor de carreaux colorés où l’on peut lire des versets coraniques. L’adduction en eau de la ville est largement améliorée. Les jardins et palmeraies se multiplient. Près de l’ancien palais almoravide, une autre mosquée, la majestueuse Kutubiyya, est érigée. Rabat est la ville de départ des troupes vers la péninsule ibérique. Non loin du port débute la construction d’une immense mosquée. Celle-ci doit être la plus grande du monde islamique. Elle reste cependant inachevée. Seul son minaret, appelé « tour Hasan », domine la mer. De l’autre côté de la Méditerranée, le port de Séville se développe. Le commerce maritime est particulièrement actif et les productions de l’Empire almohade sont exportées jusqu’au Caire.

La propagande almohade

Les Almohades prennent le titre de califes et imposent leur pouvoir. Ils proclament leur doctrine centrer sur le Dieu unique. Ibn Tumart est le maître à penser de la nouvelle rigueur religieuse et morale almohade. La propagande officielle diffuse son message et fait de lui et de son disciple ‘Abd al-Mu’min les héros d’une épopée. Un nouveau code visuel se met en place au service de leurs idées. La calligraphie, qui véhicule les préceptes religieux défendus par les Almohades, se développe sur les façades de monuments et sur les objets. Certains motifs, comme le lion, sont fréquents. Un lion et un oiseau auraient en effet participé à la proclamation de ‘Abd al-Mu’min. Les monnaies sont désormais carrées. Cette forme rappelle celle de la Ka’aba à La Mekke – le coeur de l’islam. C’est une façon d’affirmer leur légitimité à diriger l’ensemble de la communauté. Parallèlement, la langue et la culture amazighes (berbères) autochtones sont mises en avant. Le berbère apparaît transcrit en caractères arabes dans différents manuscrits. Il devient une langue d’État et de formation des élites. C’est même une langue religieuse, au côté de l’arabe. La culture berbère transparaît aussi dans la pratique musicale. Les rares instruments à nous être parvenus en témoignent. Certains maîtres soufis enseignent uniquement en berbère et s’installent dans les villes et les campagnes pour diffuser leur message d’amour divin. La spiritualité mystique se développe.

Le culte à l’époque almohade

Les obligations coraniques, comme la prière précédée des ablutions, le jeûne, l’aumône, sont scrupuleusement respectées. La piété quotidienne est imprégnée de cette rigueur religieuse almohade qui donne lieu à des productions spécifiques. Les récipients liés à l’eau et au rituel des ablutions se multiplient. Ces jarres, vasques et autres bassins font l’objet d’un soin tout particulier. On fabrique également des astrolabes, qui servent au calcul exact de l’heure de la prière, car celle-ci varie avec la durée du jour. De nombreux petits corans enluminés sont copiés et destinés à l’usage privé. Les souverains s’affichent en hommes pieux, certains peuvent être calligraphes. C’est ainsi qu’on conserve un coran écrit de la main du calife al-Murtada (r. 1248- 1266). Seule l’obligation coranique du pèlerinage à La Mekke est minimisée. En effet, le Maghreb est vécu par les Almohades comme le nouveau centre de l’islam. Il n’est donc pas nécessaire de se déplacer jusqu’au centre ancien, en Arabie.

L’art almohade et les trésors des églises chrétiennes

Malgré la rigueur affichée par la réforme almohade, l’art de cette époque est d’une grande délicatesse : les artisans travaillent notamment le métal, l’ivoire et la soie. La plupart de ces œuvres n’ont pas résisté à l’usure du temps dans l’ancien Empire almohade, mais ont été exceptionnellement bien conservées dans les trésors des églises chrétiennes. Les coffrets d’ivoire et de métal peuvent y être utilisés comme reliquaires. Les tissus font l’objet d’un commerce entre la péninsule Ibérique et l’Europe chrétienne. Dans les églises, ils servent pour la confection de vêtements liturgiques, destinés à dire la messe. Mais ils sont aussi employés pour envelopper les précieuses reliques. Enfin, les puissants souverains chrétiens aiment à se vêtir des riches étoffes de soie produites en Espagne. Un grand nombre d’entre elles ont été retrouvées dans les tombes des rois de Castille.

Les Mérinides et le retour à Fès (1269-1465)

La désastreuse défaite subie par les Almohades en 1212 contre les souverains chrétiens à Las Navas de Tolosa (Espagne) annonce leur chute. Dans la région de Taza, au Maroc, une tribu amazighe (berbère), appelée « Banu Marin », prend le pouvoir et s’empare de Marrakech en 1269. Les Mérinides font de Fès leur capitale. Ils assoient leur légitimité en s’inscrivant dans la filiation des Idrissides, fondateurs de la ville. Dès 1276, ils s’installent dans une ville nouvelle, accolée à l’ancienne. Elle prend le nom de Fès Jdid ou Fès-la-Nouvelle. Un quartier nommé « Mellah » est réservé à la communauté juive. Dans la ville nouvelle comme dans l’ancienne sont bâties de grandes demeures sur cour. Leur décor raffiné comprend des zelliges, des stucs et des boiseries sculptées, que l’on retrouve aussi dans les nombreux édifices officiels. Les Mérinides ne sont pas des réformateurs religieux et se distinguent en cela des Almohades. Leur discours politique, sur lequel se fonde leur légitimité, s’appuie sur trois axes : le malikisme, le chérifisme et le soufisme. Le malikisme est une des formes d’exercice du droit islamique. Il est majoritaire dans l’Occident musulman depuis l’époque almoravide. Il est majoritaire dans l’Occident musulman depuis l’époque almoravide. Le chérifisme correspond à l’importance croissante accordée par la société aux descendants du Prophète Muhammad, les chérifs.

La figure du souverain au cœur de la culture officielle des Mérinides

Avec les Mérinides apparaît une nouvelle façon d’écrire l’histoire. Celle-ci leur est particulièrement favorable. Le règne du sultan mérinide Abu al-Hasan (r. 1331-1348) marque un tournant. Les chroniques louent ses qualités physiques et le dépeignent comme un souverain exemplaire, pieux et intègre. Les auteurs de ces chroniques décrivent longuement les édifices religieux commandés par le souverain et son attachement à célébrer le Mawlid, la fête de la naissance du Prophète, avec tous les descendants de celui-ci, les chérifs. Désireux de se concilier les savants de Fès, les Mérinides construisent des madrasas, écoles d’enseignement juridique, dans lesquelles sont formées les élites du royaume. L’enseignement y est conforme au courant d’interprétation juridique officiel, le malikisme. Les souverains fondent aussi une nécropole royale à Chella, près de Rabat, à partir de 1284. Là se trouve la tombe d’Abu al-Hasan. Un pèlerinage sur la tombe des souverains se développe peu après.

Un empire tourné vers la Méditerranée

Le sultanat mérinide entretient d’importantes relations commerciales et diplomatiques avec les royaumes chrétiens d’Aragon et de France, mais également avec ses voisins musulmans, les Nasrides à Grenade, les Ziyanides à Tlemcen et les Hafsides à Tunis. La conquête de territoires voisins reste cependant au cœur de ses préoccupations. En al-Andalus, les Mérinides, alliés aux Nasrides, tentent d’empêcher les avancées chrétiennes. Ils franchissent le détroit de Gibraltar et fondent en al-Andalus une ville nouvelle près d’Algésiras. Elle sert de point de départ à leurs expéditions militaires. L’influence de l’art nasride devient sensible au nord du Maroc, grâce à des importations directes ou à des imitations locales. Les Mérinides tentent aussi d’étendre leur influence à l’est en s’emparant de la capitale ziyanide de Tlemcen. Alors qu’ils sont sur le point de s’en rendre maîtres au début du XIVe siècle, ils y construisent une ville nouvelle, al-Mansura, symbole de leur victoire, ainsi que plusieurs grands sanctuaires. Ces constructions témoignent des échanges artistiques permanents entre Fès, la capitale, et Tlemcen. Ponctuellement, les Mérinides parviennent même à marcher sur Tunis sous le règne d’Abu al-Hasan, mais le royaume se resserre ensuite autour de l’actuel espace marocain. Il reste cependant tourné vers l’est et communique avec les Mamelouks du Caire.

Fin d’un monde et renouveau

Le milieu du XIVe siècle est l’apogée de la période mérinide. Il porte cependant en germe le déclin inexorable de la dynastie, qui disparaît en 1465. L’union militaire des Mérinides et des Nasrides en al-Andalus échoue lors de la bataille du Río Salado en 1340. Les chrétiens victorieux emportent du champ de bataille un énorme butin, comprenant les étendards personnels du sultan mérinide. Les Mérinides doivent aussi affronter un autre ennemi : la pandémie de peste, venue de l’est. Ce cataclysme anéantit la population de toute la région et la déstabilise profondément. L’historien Ibn Khaldun (1332-1406) est un témoin privilégié de cette époque malheureuse. Auteur d’une Histoire universelle, il s’interroge sur le devenir des civilisations. Sa réflexion le pousse à considérer cette fin de siècle comme la fin d’un monde. Le XVe siècle marque effectivement une rupture considérable et le soufisme apparaît comme une réponse aux peurs des contemporains confrontés à la maladie, aux épisodes de famine et à la menace chrétienne. Un grand courant soufi créé au Maroc par al-Djazuli (mort en 1465) s’épanouit jusqu’en Orient.

Le Maroc médiéval. Un empire de l’Afrique à l’Espagne

Du 17 octobre 2014 au 19 janvier 2015

Hall Napoléon

Informations pratiques

Adresse : Musée du Louvre, 75058 Paris - France

Téléphone : + 33 (0)1 40 20 53 17

Horaires : Tous les jours, sauf le mardi, de 9h à 17h30, les mercredi et vendredi jusqu’à 21h30.

Tarifs : Billet spécifique pour l’exposition Le Maroc médiéval : 13 €.

Billet jumelé (collections permanentes + exposition Le Maroc médiéval ) : 16 €. Gratuit pour les moins de 18 ans, les demandeurs d’emploi, les adhérents des cartes Louvre jeunes, Louvre professionnels et Amis du Louvre.

Renseignements : 01 40 20 53 17/www.louvre.fr

Ars architectonica-Caroline Challan Belval, des visions archétypales déployées entre terre et ciel à la cité de l’architecture

DU 20 NOVEMBRE 2014 AU 9 MARS 2015

En contrepoint à l’exposition « Viollet-le-Duc, archéologue visionnaire » l’artiste contemporaine Caroline Challan Belval propose une interprétation de l’architecture à partir du fabuleux répertoire de formes que constituent les collections de la Cité. Ars architectonica présente des sculptures monumentales créées pour l’évènement dont une colonne/ anti-colonne en nuage de points suspendus ou encore une sphère gravée, inspirée des globes de Coronelli, intitulée Sphère des bâtisseurs où elle invente par la réinterprétation des formes ornementales et architecturales une mythologie contemporaine. Dans sa démarche artistique, Caroline Challan Belval interroge les œuvres du musée comme un original et un double. Là encore elle aborde les dispositifs de construction, de stabilité en collaboration avec le mathématicien, Luciano Boi, chercheur au Centre de recherche en mathématiques. Réunissant installations, sculptures, gravures ainsi qu’une centaine de dessins inédits acquis par la Cité en 2013, l’artiste Caroline Challan Belval nous transporte par sa virtuosité vers de nouveaux paradigmes. Entre deux mondes, celui d’une réalité transfigurée, d’une élaboration mathématique d’architectures construites, déconstruites et celui de mythologies symboliques, de visions archétypales déployées entre terre et ciel. Son travail de la matière, des matériaux et de leur dématérialisation exerce sur le visiteur des forces telluriques, célestes, universelles.

COLONNE / ANTI-COLONNE

La colonne est une forme architecturale de référence récurrente, organe de stabilité, dont la fonction est d’être portante, structurelle. Elle détermine des repères dans le champ visuel, délimite un espace physique et symbolique, investie d’une signification singulière selon sa forme et le lieu où elle se trouve.

La colonne torse de l’église Saint Séverin, à Paris, a été choisie pour ce projet dont un moulage est présenté à la Cité de l’architecture & du patrimoine. Son interprétation est une anti-colonne, détachée de son contexte, à l’instar de l’ensemble des éléments du musée, mise en exergue, suspendue et en dispersion. Positionnée à l’ouverture de la galerie Davioud, elle marque l’entrée, le passage. Cette œuvre éphémère est créée spécialement pour l'exposition à la Cité de l’architecture.

FRAGMENTS

La rose, le ruban et l’acanthe

À partir des éléments ornementaux définis dans le dictionnaire raisonné de Viollet-le-Duc, Caroline Challan Belval réinvente un vocabulaire de formes par des dessins, diagrammes, gravures et des œuvres en volume. Ainsi, l’artiste s’inspire des roses de la salle d’ornementation du musée de Sculpture comparée et de l’Eve de la Cathédrale d’Autun qu’elle présente détachées de leur contexte et sens d’origine en réalisant leur empreinte matérialisée en verre avec la collaboration d’Olivier Juteaux Maître Verrier.

SPHÈRES DES BÂTISSEURS

Espaces stratifiés / espaces gravés

Ici l'artiste réinterprète la carte du ciel en créant une sphère gravée intitulée Sphère des bâtisseurs, inspirée du globe céleste de Vincenzo Coronelli, gravé en 1697 pour Louis XIV. Cette sphère est construite selon les repères célestes actuels, sur lesquels sont projetées les figures et mythologies présentes dans le musée, résurgences des mythologies anciennes, mythologies humaines.

Aux côtés de cette œuvre inédite se présente la carte céleste de Coronelli, un retirage des faisceaux d’origine produit par la Réunion des Musées Nationaux/ Chalcographie du Louvre.

Chaque peuple projette un imaginaire singulier sur le ciel. Les dessins des constellations sont, comme dans le roman de Borges, l’Aleph, l’expression d’un monde visible depuis un point unique, celui depuis lequel nous observons.

Pour Caroline Challan Belval, à chaque partie du monde et à chaque culture correspond une vision nouvelle en accord avec une identité collective, créant des formes dans le ciel. Maisons, constellations, fragments de cartographie tissent des liens entre les corps célestes : planètes, étoiles, nébuleuses, nuages de gaz et de poussière, anomalies, objets invisibles, restes d’étoiles, peuplent le ciel profond. Leur position, leur mouvement, les forces qui régissent leur progression et leurs déformations font l’objet d’hypothèses, artefacts humains immatériels.

DU REGARD, DE LA MAIN

À partir d’une sélection de 200 dessins réalisés durant le chantier du palais de Chaillot pour la Cité, sont réunis sous forme d’installation, 108 dessins inédits acquis par la Cité de l’architecture en 2013. Le choix de ces dessins repose sur des séries directement liées aux collections permanentes : la fontaine de Nancy, la mise au tombeau de Solesmes, les chevaux du Soleil de L’hôtel de Rohan à Paris mais aussi sur l’expérience de terrain de l’artiste lors de la transformation du musée entre 2001 à 2007 où elle interroge l’architecture, sa morphologie, ses métamorphoses.

Ces collections ont été pour Caroline Challan Belval un laboratoire de formes dont le contenu tout entier aurait été mis en mouvement. Visages de sculptures recouverts d’un voile pudique contre la poussière, œuvres protégées en attente d’une autre vie, perception d’espaces encore chrysalides, elle livre par son travail un état de mutation anonyme et bouleversant.

Caroline Challan Belval

Artiste française né en 1977 à Cognac. Elle vit et travaille entre Nice, Paris et Lisbonne, actuellement en résidence au MAMbo à Bologne.

Sa recherche, tournée vers l’architecture et les mondes souterrains, interroge la forme, l’espace, ses structures cachées et leur perception. Elle l’aborde par la pratique du dessin et de la peinture, conjointement à une approche théorique, influencée de la pensée de Lucrèce et de Merleau-Ponty. Sa démarche consiste à saisir et à restituer les dramaturgies modernes dans des lieux de transformation : Ars architectonica, Opus caementecium, Gardiens d’étoiles, Chelsea meat factory, NY Subway, 15 jours en usine, la fonderie d’Outreau, Connais-toi toi-même, Bestiaire mythologique, l’Ere du poisson, l’Homme cherche-midi, Anti mémoire, Visões-Ficção, Fragments botaniques, Latone ...

Diplômée de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, elle est titulaire d’un Master 2 "Recherche en Architecture et Patrimoine" - Universités de Nice et de Gênes. Elle a séjourné et travaillé à New York avec une bourse Colin Lefranc en 2002. Elle enseigne à l’École Nationale Supérieure d’Art de la Villa Arson, à Nice, et à la Faculté des Lettres et des Sciences humaines de Nice Sophia Antipolis (M2). Ses œuvres font partie de collections publiques prestigieuses à l’instar du MoMA, de la Bibliothèque nationale de France, du MAMAC de Nice et de la Cité de l’architecture & du patrimoine.

Informations pratiques

Cité de l’architecture & du patrimoine Galerie des moulages 1 place du Trocadéro Paris 16e

Ouvert tous les jours de 11h à 19h, le jeudi jusquʼà 21h Fermeture le mardi

Entrée comprise dans le billet d'accès au musée

PT:8€-TR:6€

No-Stop City, vision de ville - Arc en rêve centre d'architecture

Jusqu'au dimanche 25 janvier 2015

Arc en rêve centre d'architecture

Après avoir présenté l’exposition consacrée à Andrea Branzi par le Musée des Arts Décoratifs et du Design "Andrea Branzi, Pleased to meet you", à cette invitation du musée, arc en rêve centre d'architecture expose la vision anticipatrice d'Andrea Branzi pour penser la ville d'aujourd'hui.

Placée sous le titre No-Stop City, l'exposition revient sur le travail théorique et critique d'Andrea Branzi, à partir du projet éponyme créé en 1969 et fondé sur "l'idée de la disparition de l'architecture dans la métropole". Ce concept "d'urbanisme faible" – faisant référence à la ville sans fin, sans qualité – a été élaboré dans le projet fondateur No-Stop City, développé et sans cesse retravaillé par Branzi dans d'autres projets comme "Cielo e Terra", "Territorio Enzimatico", "Bosco di Architettura", "Infrastrutture Leggere" et "Agricoltura Residenziale"... Un corpus exceptionnel réunissant des maquettes, des dessins et des films, à découvrir avec arc en rêve.
Le travail d'Andrea Branzi, fondateur du mouvement radical de l'architecture italienne, nous éclaire depuis presque un demi-siècle sur les mutations urbaines visibles en ce début de 3e millénaire. L'idée d'une ville "sans architecture" n'est pas une utopie, mais plutôt l'intuition du changement profond de nos sociétés. Sa recherche autour des modèles d'urbanisation faible s'appuie sur une redéfinition de l'architecture, de ses codes, et ses symboles. Ses propos témoignent d'une extraordinaire acuité sur la condition urbaine contemporaine et les phénomènes de métropolisation à l'ère de la mondialisation de l'économie et de l'information.
"Il s'agit donc d'imaginer une architecture qui ne s'occupe pas de réaliser des projets définitifs, forts et concentrés, caractéristiques de la modernité classique, mais plutôt des sous-systèmes imparfaits, incomplets, élastiques, caractéristiques de la modernité faible et diffuse du 21e siècle." Andrea Branzi

Infos pratiques

Dates / Horaires :

Jusqu'au dimanche 25 janvier 2015

Tous les jours sauf le lundi de 11h à 18h
Nocturne le mercredi jusqu'à 20h

Lieu :

Arc en rêve centre d'architecture

Galerie Blanche

Entrepôt7 rue Ferrère 33000 Bordeaux

Renseignements :

Arc en rêve centre d'architecture

Entrepôt
7 rue Ferrère
33000 Bordeaux

Tél. : 05 56 52 78 36

Fax : 05 56 48 45 20

Courriel : info@arcenreve.com

www.arcenreve.com

Maquette Citta'reale, 2010. A. Branzi avec D. Macchi, H. Endo, B. Vezzi, A.S. Vitale - Galerie Friedman Benda, New York (© Studio Andrea Branzi, Milan)

L’Architecture en fête - Recycler à la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon, 7 et 8 novembre

La Chartreuse en carton, en bonbon, en question......

Sous l'impulsion de la direction régionale des affaires culturelles, les acteurs de l'architecture en région s'associent pour inviter le public dans un cadre emblématique et magique - la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon – à la troisième édition de « l'Architecture en fête ». Autour du thème, « Recycler », les vendredi 7 et samedi 8 novembre, conférences, expositions, visites insolites, ateliers, parcours sensibles, spectacles, sont au programme. Deux jours pour sensibiliser, d’abord les jeunes générations le vendredi, puis un large public et en particulier les familles le samedi, à cet art majeur qui interroge notre cadre de vie et nos modes de pensée, pour découvrir combien il est nourri et irrigué par toutes les disciplines. Chacun pourra, à son gré, construire, écouter, contempler, manipuler, admirer, réfléchir ou débattre avec les nombreux professionnels mobilisés pour cette grande fête.

Fort du succès rencontré les deux précédentes années, la DRAC, la Chartreuse et les partenaires de l’architecture en Languedoc Roussillon ont axé leur programmation sur l’exigence et la diversité des propositions et intervenants.

Les lois de la gravité défiées, l’instant d’une danse À commencer par Yoann Bourgeois, acrobate, jongleur, danseur qui revisite totalement le « numéro de cirque ». Ce circassien défie les lois de la gravité avec un indéniable savoir-faire et une véritable poésie. « Fugue/trampoline », c'est 50% de suspension, 50% de chutes ! L’instant de tous les possibles. Cet artiste incarne l’insoutenable légèreté de l'être.

Une visite « déguidée » de la Chartreuse Bertrand Bossard, comédien, metteur en scène, prendra un malin plaisir à « déguider » le public. Il conduit les visiteurs avec humour et fantaisie à découvrir autrement les lieux. Bertrand Bossard est tout à la fois cocasse, imprévisible et irrésistible. Une façon réjouissante de recycler nos connaissances historiques sur la Chartreuse !

Reconstruire collectivement le cloître Saint-Jean... en carton Réutiliser des monuments historiques à des fins didactiques, culturelles ou artistiques, Olivier Grossetête, plasticien, en a le savoir-faire. Connu pour la construction de villes éphémères et utopiques en carton comme à Marseille en 2013, ou par ses contributions monumentales tel le phare de la Teste-de-Buch en Gironde, c’est collectivement qu’il va inviter le public à reconstruire en carton les deux ailes du cloître de la Chartreuse du lundi 3 au samedi 8 novembre. Ce projet se décline en ateliers de préfabrication et de construction du lundi au samedi et en une phase de destruction le samedi. Du carton au téléphone mobile, il n’y a qu’un pas et Patrice Barthès, chorégraphe, artiste en résidence à l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Montpellier, le franchit. Une nouvelle partition verbale, « Commissures#5 », promenade sensible (que chacun pourra faire avec son propre téléphone) est spécialement créée pour la Chartreuse dans le cadre de l'Architecture en fête. La singularité de sa démarche repose aussi sur la participation physique du public.

Deux conférences et deux expositions sur le recyclage

Après l’envol de Yoann Bourgeois et les envolées de Bertrand Bossard, revenons tranquillement sur terre avec François Goven, inspecteur général des monuments historiques au ministère de la culture et de la communication, pour écouter sa conférence sur « la réutilisation des monuments historiques » ou comment faire dialoguer histoire et création contemporaine ;

À l’origine du projet de la Villa déchets construite fin 2010 à Nantes à partir de 25 tonnes de détritus en tout genre journaux, palettes, Frédéric Tabary, décorateur, designer et architecte d'intérieur, rationalise, exploite les cm2/3 de nos appartements. Son credo : la prévention du déchet et le recyclage dans nos habitations. Touche à tout de la construction et de la récupération, il va jusqu’au bout de sa démarche dans une vraie vision politique et sociétale. Sa conférence « La villa déchets to be or not to be » renvoie à d'autres vies possibles.

On pourra aussi découvrir sur la table numérique géante de la Chartreuse les différentes étapes de construction du monument et traverser ainsi les siècles de façon virtuelle. La Chartreuse « du bout des doigts » avec la table numérique ou encore « à bras d’hommes » avec la complicité d’Olivier Grossetête seront deux expériences très enrichissantes au regard l’une de l’autre. De regard et d'échelle, de mémoire et d'oubli, il sera question aussi dans les expositions de Jacqueline Salmon, photographe, Aniane, de l'oubli à la mémoire, et Armelle Caron, plasticienne, Nearly there, qui chacune joue le jeu d'adapter leurs œuvres in situ en résonance avec des lieux spécifiques de la Chartreuse

Mais aussi, la Chartreuse en bonbon, en kapla...

Mais pour construire, déconstruire ou reconstruire, il faut utiliser tous ses sens : les ateliers Kapla, Archikids (légos) « ma cabane recyclable » (bouteilles en plastiques), architectube (cartons et ficelles) « ma p’tite chartreuse à moi » (en musique), « la Chartreuse à voir et à manger » (en bonbons) grâce au partenariat d'Haribo, sont autant de découvertes sensorielles et gustatives qui raviront les familles.

La Chartreuse, un exemple vivant de réutilisation du patrimoine

Que ce monument, avec ses 7 siècles d’histoire, accueille le thème choisi pour cette grande fête de l’architecture est symbolique à bien des égards. La Chartreuse est un exemple de réutilisation active, vivante, contemporaine de notre patrimoine. Elle a servi de matrice, dans les années 70, à l’idée visionnaire de réhabiliter un site patrimonial en y installant un projet culturel, l’activité artistique guidant les priorités de restauration ; une façon de faire partager aux nouvelles générations, cette belle conception d’une architecture investie et traversée par les désirs et utopies des artistes et du public accueillis. La Chartreuse, centre culturel de rencontre depuis 40 ans, ne cesse de repenser sa façon de se renouveler, de « recycler » ses usages et ses fonctions.

La Drac et l’Architecture en Fête

La DRAC s'engage depuis plusieurs années avec détermination à promouvoir la qualité architecturale, urbanistique et paysagère. Depuis trois années, elle coordonne le Mois de l'architecture en Languedoc-Roussillon, manifestation qui a pour ambition de rendre accessible à tous et notamment au jeune public l'architecture contemporaine.

Dans sa complémentarité, un autre moment fort, ludique et festif s’est imposé tout naturellement: « L’Architecture en fête ». Après « Habiter » en 2013, c'est autour du mot « Recycler « que toutes les formes culturelles vont venir valoriser le geste architectural avec une journée consacrée aux scolaires, le vendredi 7, et une journée à partager en famille, le samedi 8.

Le principe de cette Fête ?

Participer et co-construire dans la bonne humeur, jouer et réfléchir, accepter d'être un peu bousculé, décalé, surpris par les artistes, et d’en repartir grandi par cet événement monumental. Plus que jamais cette fête témoigne que l’architecture se nourrit d’art, d’histoire, de science, de philosophie et met un visage sur nos rêves de demain.

Étudiants, enseignants, familles, enfants, professionnels, amateurs ou simplement curieux sont donc conviés à fêter l'architecture sous toutes ses formes et à « recycler » l’image qu’ils se font du monde de l’architecture.

Pratique

Dates : vendredi 7 novembre (scolaires et tout public) de 9h30 à 17h et samedi 8 novembre

(familles) de 9h30 à 20h Tarifs : entrée libre gratuite. Attention certaines animations et certains spectacles sont sur réservation. Informations et réservations Ateliers et spectacles Tél. : 04 90 15 24 24. www.chartreuse.org Programme : Le programme est disponible dans de nombreux lieux publics, à la DRAC, dans les offices de tourisme, chez tous nos partenaires et sur les sites internet de la DRAC et de la Chartreuse et en ligne sur : www.culturecommunication.gouv.fr/Regions/Drac-Languedoc-Roussillon et www.chartreuse.org/54/577/l-architecture-en-fete

DÉSIRS DE VILLE AUX 24 HEURES D’ARCHITECTURE 17 & 18 OCT. 2014 A MARSEILLE

Après la Manufacture des Tabacs de Strasbourg en 2012, c’est la Friche la Belle de Mai à Marseille qui sera le théâtre, les 17 et 18 octobre prochain, de la deuxième édition de Vingt-quatre heures d’architecture. Un événement hors du commun qui fédère publics et pratiques autour d’un même sujet : les désirs de ville.

Une manifestation à 360 °

De midi à midi, pleins phares sur l’architecture, avec un programme qui affiche la mixité pour toucher des publics diversifiés. Les amateurs avec une dizaine d’expositions, une boucle de cinéma en continu, des visites de sites en compagnie d’architectes et d’urbanistes ; les curieux et les passionnés avec des tables rondes animées par des figures locales et nationales mais aussi avec le Palmarès Grand Public « Archicontemporaine » qui récompensera des réalisations choisies en ligne par le grand public ; les familles avec des ateliers-enfants et des restitutions de la Journée de l’architecture dans les écoles qui se déroulera pour la première fois dans l’académie d’Aix-Marseille le 2 octobre ; et in fine une fête ouverte à tous et animée par un jeune collectif marseillais pour découvrir la ville au petit matin ...

Marseille demain

Après le succès incontestable rencontré auprès du public par le MuCEM et les aménagements urbains et architecturaux de Marseille Capitale européenne de la culture, Vingt-quatre heures d’architecture prolongera la synergie locale en favorisant la rencontre entre habitants, associations et acteurs de la ville : tous ceux qui font et feront Marseille demain. Le commissaire de cette édition est André Jollivet, président de la Maison de l’architecture et de la Ville Provence-Alpes-Côte d’Azur, les étudiants de l’École nationale supérieure d’architecture de Marseille sont naturellement impliqués dans la production de l’événement et PAN Architecture, jeune agence marseillaise lauréate des AJAP 2012, signera la scénographie de Vingt- quatre heures d’architecture.

La Friche la Belle de Mai, un bel exemple d’appropriation La Friche la Belle de Mai est issue de 20 ans d’occupation et de transformations successives. Un bel exemple d’appropriation qui est aussi l’une des questions centrales de cette deuxième édition : l’exigence d’architecture pour tous et par tous. Vingt-quatre heures d’architecture occupera la Friche dans une dynamique de dialogue avec ses nombreux collectifs et associations et dans une scénographie conçue sur mesure.

L’exigence d’architecture

Elle rassemble, apaise, fabrique et métamorphose de façon spectaculaire. L’architecture contemporaine est l’affaire de tous. À la suite de la Journée de synthèse des Universités d’été organisées par l’Ordre des architectes qui se tiendra le 16 octobre à Marseille, Vingt-quatre heures d’architecture se tourne vers le grand public. Sensibilisation, pédagogie, découvertes, rencontres, débats sont au programme d’une manifestation-vitrine des savoir-faire et des manières d’être des architectes.

Pour tous

Ils étaient plus de 7 000 à Strasbourg : combien seront-ils à Marseille ? Grand public, familles, scolaires, amateurs, initiés et professionnels mais aussi noctambules. Vingt-quatre heures d’architecture est l’occasion d’enrichir un regard personnel, d’étoffer une réflexion et d’échanger simplement, au plus près des problématiques de la métamorphose de la ville.

Le savoir–faire des Maisons de l’architecture Initié par le Réseau des Maisons de l’architecture, Vingt-quatre heures d’architecture est la vitrine du travail et de la démarche au quotidien des Maisons de l’architecture, relais de l’architecture contemporaine dans toutes les régions. Entre recettes

à emprunter, initiatives à renouveler et exemples à retenir, Vingt-quatre heures d’architecture met en lumière leurs actions tournées vers la sensibilisation du grand public comme le débat entre professionnels.

Des partenaires fidèles

L’Ordre des architectes, le Ministère de la culture et de la communication, la Fédération française des Tuiles et Briques, le Crédit Mutuel, EDF Collectivités, Technal, Saint-Gobain, Yamaha et ConstruirAcier sont au rendez-vous de Marseille et soutiennent Vingt-quatre heures d’architecture.

La Friche la Belle de Mai, entre conquêtes et appropriation

Chiffres - clefs

45 000 m2 de surface totale 70 structures résidentes 500 artistes et opérateurs culturels Un toit-terrasse de 7500 m2

Fréquentation 2013

Événements : 250 000 personnes Expositions : 120 000 Visiteurs : 130 000 Total : 500 000 personnes

Au cœur de Marseille, déployée sur 45 000 m2, l’ancienne Manufacture des tabacs de la Friche la Belle de Mai est devenue, en deux décennies, un lieu culturel de renommée internationale et a largement contribué à impulser un nouvel élan culturel à sa ville. Fabrique artistique, espace de vie et de culture, la Friche offre une concentration d’activités unique en Europe. Espace d’expérimentation, elle est d’abord un lieu de création et d’innovation pour les 70 structures résidentes (près de 500 artistes et opérateurs culturels) qui y travaillent. Elle est aussi un espace public multiple où se déploient un skate-park, un restaurant, un théâtre jeune public, des salles de spectacles et de concerts, des jardins, une aire de jeux pour les enfants, une librairie, une crèche et aussi, depuis 2013, Les Plateaux — deux nouvelles salles pour les arts de la scène — la Tour- Panorama qui accueille les nouveaux espaces d’exposition, et un toit-terrasse, véritable place publique de 7500 m2. Bientôt l’Institut Méditerranéen des Métiers du Spectacle (Centre de formation réunissant des élèves comédiens et techniciens, ouverture rentrée scolaire 2015), des terrains de sports, d’autres structures culturelles, une école publique et des logements sociaux conforteront la structuration de ce projet culturel en un projet urbain autour des trois axes social/culture/ éducation.

La Friche la Belle de Mai aspire à être en prise directe avec son quartier — dont elle a pris le nom — avec sa ville, avec sa jeunesse. Au-delà des activités artistiques qui sont au cœur de son projet, elle souhaite - à partir de la culture - « rendre » au public cet immense territoire, le partager, en faire un lieu commun, en référence au « champ communal » des fêtes, des foires et des rassemblements du village ancien. Autrement dit, en faire un lieu de vie aux multiples usages en continuité avec ceux de la ville.

Dates - clés d’un projet

1990

Ouverture de la Friche Magallon (ancienne graineterie du 15ème arrondissement) et création de Système Friche Théâtre (SFT) codirigé par le théâtre Massalia Théâtre et le théâtre des Bernardines. Sous l’impulsion du Maire de Marseille, en particulier de son adjoint à la culture, Christian Poitevin (alias Julien Blaine, poète).

1992

Ouverture de la Friche la Belle de Mai dans l’ancienne manufacture des Tabacs de la Seita de 12 hectares dans le quartier de la Belle de Mai, 3e arrondissement – Installation des premières structures culturelles.

1994

Installation du premier cybercafé de France.

1995

Présidence de Jean Nouvel (jusqu’à 2002) et inscription du projet dans Euroméditerranée comme pôle culturel majeur de développement (un pôle de création artistique, un pôle économie culturel, un pôle patrimonial).

1996

Edition de « Un projet culturel pour un projet urbain « par la direction de SFT.

1998

Acquisition par la Ville de l’intégralité du foncier (dont la Seita était jusqu’alors toujours propriétaire) – Relocalisation d’une partie des activités de SFT dans l’ilot 1 - Programmation de l’ilot 3 dans le cadre de l’appel d’offres pour la réhabilitation de l’ilot 3.

1999

« Vous êtes ici » - du Groupes Dunes sur le toit de la Friche.

2001

Installation des archives municipales et du CICRP (Centre interdisciplinaire de conservation et de Restauration du Patrimoine) sur l’ilot 1. - Définition du cahier des charges de l’étude de définition sur la réhabiliation de l’ilot 3

- Début des travaux de réhabilitation de l’ilot 2

2002 Février : Colloque international « Les nouveaux territoires de l’art » point d’orgue du rapport de Fabrice Lextrait commandé par Michel Duffour, secrétaire d’État au Patrimoine et à la Décentralisation Culturelle. Robert Guédiguian, cinéaste, président de SFT Septembre : L’urgence permanente : rencontre dans le cadre de la 7ème Biennale d’architecture de Venise (commissaire du Pavillon Français : Jean Nouvel associé à François Geindre, élu, Henri- Pierre Jeudy, architecte, Hubert Tonka, écrivain).

2007

Création de la Scic-SA Friche la Belle de Mai présidée par Patrick Bouchain. La SCIC (Société coopérative d’Intérêt Collectif, Maître d’ouvrage des transformations) est un outil juridique et économique conçu pour développer le multipartenariat d’acteurs politiques, économiques, culturels et sociaux. La Ville de Marseille, partenaire fondateur aux côtés du Ministère de la Culture, de la Région et du Département, confie via un bail emphytéotique, la responsabilité foncière du site à la SCIC.

2010 Mai : début du chantier « Phase 2013 » du Schéma directeur « Jamais 2 sans 3 ». - Agence ARM Architecture (Matthieu Poitevin). Marc Bollet, avocat et ancien Bâtonnier de l’Ordre des avocats du Barreau de Marseille, président de SFT.

2011 Juin : Alain Arnaudet nommé directeur de Système Friche Théâtre. Juillet : Livraison des magasins : 7500 m2 de nouveaux espaces de travail pour les résidents - Agence ARM Architecture (Matthieu Poitevin).

2012 Avril : livraison/ouverture de la crèche – Agence ARM Architecture (Matthieu Poitevin).

2013 Janvier : livraison de la Tour-Panorama (7500 m2 de plateaux d’exposition) et du Toit terrasse (7500 m2) - Agence ARM Architecture (Matthieu Poitevin). Octobre : Livraison des Plateaux : 2 salles pour les arts de la scène (respectivement de 372 et 150 places). Agence Construire (Patrick Bouchain et Sébastien Eymard).

2014 : Janvier : prolongement de l’aire des jardins collectifs et familiaux : le jardin des Rails Février : début du chantier de l’IMMS (Institut Méditerrannéen des Métiers du spectacle), centre de formation qui réunira les élèves comédiens de 3ème année de l’ERAC (École Régionale d’Acteurs de Cannes) et les apprentis du futur CFA MS (Centre de Formation d’Apprentis des Métiers du Spectacle) de l’ISTS (Institut Supérieur des Techniques du Spectacle, Avignon). Jean-Louis Duchier Architecte Duchier+Pietra Architectes. Mai : étude architecturale pour un équimement sportif intutilé « Playground ». Juin : début des travaux de mise aux normes CNC et ERP du Gyptis. Octobre : ouverture du Gyptis cinéma, Vingt- quatre heures d’architecture 2014.

2015 Septembre : livraison et ouverture (rentrée scolaire) de l’IMMS.

La scénographie imaginée par PAN Architecture

La Friche la Belle de Mai propose de multiples espaces à investir. Pour Vingt-quatre heures d’architecture, le parcours suit ses lieux les plus emblématiques : la cour Jobin, la Tour Panorama, la « rue intérieure » et la Cartonnerie, mais aussi le restaurant Les Grandes tables et le Cabaret aléatoire lors de la soirée festive. Vingt-quatre heures d’architecture laisse place à l’informel et à l’inattendu, à l’image de la programmation de cinéma qui s’appropriera des lieux interstitiels pour quelques diffusions discrètes.

Conçue par l’agence PAN Architecture, la scénographie de Vingt-quatre heures d’architecture répondra à la superficie exceptionnelle de plus de 10 000 m2 de l’événement (un cinquième de la surface de la Friche) en identifiant les parcours et les lieux de rassemblement qui jalonneront l’événement. Le projet consiste à dialoguer avec l’architecture forte et bétonnée de l’ancienne manufacture des tabacs en l’utilisant comme support autant que comme sujet de présentation.

La Friche sera investie dans ses lieux les plus emblématiques par un jeu d’emballage en films plastiques étirables capable d’accueillir et de signaler l’événement. Des aménagements à grande échelle composés de structures en palettes déclineront les différents supports nécessaires à la programmation et accompagneront le visiteur dans son parcours. Une signalétique en adhésif collé viendra compléter ce dispositif qui balise le parcours tout en donnant à voir la Friche, son architecture et son activité. Tous ces dispositifs permettront de souligner le caractère foisonnant de l’événement dans une mise en scène résolument architecturale.

Désirs de ville Une thématique transversale ...

... et une programmation pour tous les publics

La fabrique de la ville est l’affaire de tous : comment inclure effectivement ses habitants et usagers dans son développement ? À l’heure où de nouveaux défis — développement durable et lien social — réclament des solutions renouvelées, les désirs de chacun doivent être entendus. De nouveaux modèles émergent partout : participation, conservation patrimoniale, environnement et place du paysage transforment les process d’aujourd’hui ... et esquissent la ville de demain.

Architectes, urbanistes, paysagistes et autres acteurs de la ville sont en première ligne de cette évolution dans laquelle les habitants doivent se retrouver. Pour adhérer à un projet partagé, dans une ville dont chacun peut devenir acteur, il faut déterminer les objectifs qui rassemblent, les techniques qui fonctionnent, les projets qui rencontrent les attentes des habitants.

Grand public, amateurs, initiés et professionnels sont invités à dialoguer autour de ces questions.Vingt-quatre heures d’architecture propose de (re)-découvrir nos espaces de vie, de dépasser ses réflexes pour être surpris par la diversité et la vitalité de l’architecture contemporaine et in fine d’explorer le désir pluriel d’une ville toujours plus accueillante, plus intelligente, plus performante.

De midi à midi, Vingt-quatre heures d’architecture se tourne vers tous les publics pour répondre à autant d’envies : une promenade exhaustive ou une flânerie, venir en famille ou entre amateurs, privilégier découvertes ou débats. Grand public, amateurs ou novices, enfants et jeunes adultes mais aussi professionnels : chacun trouvera son bonheur parmi les expositions, tables rondes, balades architecturales, ateliers-enfants ou projections de films. Et pour rythmer cette édition, plusieurs temps forts rassembleront tous les publics : inauguration, proclamation de plusieurs palmarès dont le Palmarès grand public Archicontemporaine et soirée festive!

Eszter Salamon, construction fragile et perméable de l’identité au Jeu de Paume 14/10 – 09/11/2014

En accès libre, la programmation Satellite est confiée chaque année à un commissaire différent chargé de trois expositions au Jeu de Paume et d’une exposition à la Maison d’Art Bernard Anthonioz (Nogent-sur-Marne). Les artistes occupent les espaces interstitiels du Jeu de Paume (mezzanine, foyer), qui deviennent chacun un champ d’expérimentation, d’interrogation et d’échange. Pour la septième édition de cette programmation, le Jeu de Paume a convié la critique d’art et commissaire indépendante slovène Nataša Petrešin- Bachelez.

Intitulée « Histoires d’empathie », la proposition de Nataša Petrešin-Bachelez s’inscrit dans la continuité des projets qui, au sein de la programmation Satellite du Jeu de Paume, explorent de nouvelles formes d’expositions, comme en témoignent les éditions précédentes qui ont été réalisées, depuis 2007, successivement par Fabienne Fulchéri, María Inés Rodríguez, Elena Filipovic, Raimundas Malašauskas, Filipa Oliveira ou Mathieu Copeland. Cette année, « Histoires d’empathie » invite quatre artistes femmes, Nika Autor, Natascha Sadr Haghighian, Kapwani Kiwanga et Eszter Salamon.

Présentée du 14 octobre au 9 novembre 2014, la quatrième exposition de ce cycle intitulée « Eszter Salamon 1949 » est dédiée à la chorégraphe, danseuse et performeuse Eszter Salamon. Chez elle, le son est un élément chorégraphique clé pour créer la relation avec le/la participant/e ou le public. Elle est l’auteur d’une « performance documentaire » où elle met en scène la vie d’une femme qui porte les mêmes prénom et patronyme qu’elle et qui vit dans un village hongrois. Dans sa dernière œuvre théâtrale, elle abordait la question futuriste de savoir comment on sortira de son corps lorsque les humains auront disparu. Pour son exposition au Jeu de Paume, Eszter Salamon poursuit son travail sur l’homonymie et la biographie à travers une œuvre performative proposée en continu.

Mêlant performance, travail documentaire et autofiction, Eszter Salamon multiplie les perspectives sur la construction fragile et perméable de l’identité. En élaborant les doubles d’elle-même, elle repense le médium et le matériau, le corps singulier et la parole qui sert à le circonscrire. Un corps, mon corps – territoire en friche, inconnue singularisée par un nom, fouillis de souvenirs, de faits, de sensations : comment rendre compte de ces multiples strates, et dresser une carte qui permette son appropriation ?

Pour le solo Mélodrame, elle avait ainsi mené une série d’entretiens avec une de ses homonymes rencontrée en Hongrie. Avec « Eszter Salamon 1949 », elle en propose une déclinaison élargie, investissant cette fois l’espace et le temps spécifique du lieu d’exposition. Pendant quatre semaines, six heures par jour, le Jeu de Paume résonnera de voix et d’échos de cette vie diffractée, amplifiée, mise en abyme. Rejouant les mots échangés entre une Eszter Salamon et une autre, des actrices incarneront ces bribes subjectives – où le hasard d’un nom rencontre des événements historiques et des anecdotes.

Comment un matériau biographique peut-il remplir et subvertir un lieu de conservation ? Quel miroir nous tendent ces figures au statut indécis ? Enregistrant l’écart entre un corps et une parole, décalant les rapports d’identification, « Eszter Salamon 1949 » introduit un trouble sur la nature même du « moi » et de l’empathie que génère son exposition. Une opération de transformation, partant du plus infime de l’expérience individuelle, pour en faire « un fragment anonyme infini, un devenir toujours contemporain ». (Gilles Deleuze)

Estzer Salamon 1949 - Photo Adrien Chevrot © Jeu de Paume

L’artiste

❙ Eszter Salamon

Eszter Salamon vit à Berlin et Paris.

Eszter Salamon est chorégraphe et performeuse. Depuis 2001, elle crée des solos et des pièces de groupe. Son travail est régulièrement présenté dans le monde entier et elle est aussi fréquemment invitée à intervenir dans des musées. Eszter Salamon utilise la chorégraphie comme une pratique étendue, comprise comme une machine à manœuvrer entre différents médias : vidéo, son, musique, texte, voix, mouvement et actions corporelles.

Dans ses premières œuvres, l’activation de l'expérience cognitive interroge la perception visuelle, la sensation et la kinesthésie. Depuis 2005, son intérêt pour le documentaire et l’autobiographie féminine ont abouti à une multiplicité de formats, tels qu’une conférence dansée, une vidéo-chorégraphie ou un monodrame. Ses recherches sur la spéculation et la fiction l’ont amenée à créer TALES OF THE BODILESS, un opéra futuriste sans interprète, qui imaginait les mode d’existence possibles après la disparition des humains. Dernièrement, Eszter Salamon a commencé une série de pièces explorant à la fois la notion de monument et la pratique d'une réécriture de l'Histoire.

Informations pratiques

❙ Jeu de Paume

Adresse 1, place de la Concorde – 75008 Paris

01 47 03 12 50 – www.jeudepaume.org

Horaires d’ouverture

Mardi (nocturne) : 11 h-21 h

Mercredi à dimanche : 11 h-19 h

Fermeture le lundi

Tarifs Plein tarif 10 € / Tarif réduit 7,5 €

Entrée gratuite : programmation Satellite ; mardis jeunes (le dernier mardi du mois de 11 h à 21 h pour les étudiants et les moins de 26 ans) ; les moins de 12 ans

Billetterie en ligne sur le site Internet du Jeu de Paume, avec la Fnac et Digitick

Abonnement annuel et partenaires culturels

Accès gratuit et illimité aux expositions et à toutes les activités culturelles du Jeu de Paume

Abonnement annuel : plein tarif 30 € / tarif réduit 25 € / tarif jeune 20 €

Quintin, à la reconquête de son patrimoine et le village médiéval de Ciciliano en Italie

A la Cité de l’Architecture, à partir du 22 octobre 2014 jusqu’au 19 janvier 2015…

A Quintin, petite «Cité de caractère» des Côtes d’Armor, en Bretagne, une quarantaine d’architectes-élèves ont travaillé en groupe sur cinq sites. Au sein de la ville close : deux demeures urbaines Lebreton et Ker Boa ainsi que la tour des archives du château, (vestige d’une porte médiévale fortifiée de la cité).
Hors les murs : la chapelle du couvent des Ursulines désaffectée et le château de Crenan incendié en 1927. Les élèves s’appuient sur la rigueur d’une méthode visant à montrer les potentiels et les perspectives possibles de ce patrimoine. La lecture des bâtiments dans leur contexte urbain et rural, a permis d’affiner les connaissances de l’architecture et de l’évolution de cette petite cité de caractère de Bretagne ainsi que de ses terres environnantes occupées par d’anciennes seigneuries et de vastes institutions religieuses. Après les diagnostics architecturaux et sanitaires, ces études présentent des propositions de consolidation, de restauration et mise en valeur de ce patrimoine en quête d’un nouveau souffle.
Elles révèlent aussi les potentiels et les perspectives de restauration possibles de ce patrimoine.

En Italie, le village de Ciciliano à l’est de Rome,est localisé au sommet d’une colline au croisement de trois vallées, dans un site exceptionnel.
Le village médiéval construit à partir du xıe siècle, abrite au point culminant un château datant du XIIe siècle, qui appartient à la famille Theodoli depuis cinq siècles. Flanqué de quatre tours,
il s’organise autour d’une cour intérieure et d’une entrée modifiée au XVIIIe siècle sur la façade Sud.
Deux jardins suspendus entourent le corps principal. Le château possède quelques vestiges intéressants. Les façades se prêtent particulièrement bien à une lecture archéologique du bâti. Au regard de l’intérêt de l’édifice, de sa complexité, de son enjeu patrimonial, le château Theodoli, inscrit dans son contexte urbain et paysager, présentait tous les critères pour y effectuer un atelier d’architecture auxquels ont participés vingt étudiants de l’Université de la Sapienza à Rome et de l’École de Chaillot.

Cité de l'architecture et du patrimoine
Rue basse
1, Place du Trocadéro et du 11 novembre, Paris 16e

Entrée libre

Photo 1 : Les abords du château de Quintin © Antoine Chapuis/Olivier Salmon, école de Chaillot

Jouer avec l’espace public, quand le design se fait jeu d’enfant – Agora 2014

Les prix Agora Design 2014 animent l’espace public bordelais :

L’espace public, champ de la transformation du quotidien. Si l’espace public est à la mode, sa définition est complexe. Agora 2014 va s’attacher à lui donner visibilité et lisibilité, explorant toutes les dimensions de cet espace, lieu politique par excellence, lieu des manifestations (libération de Paris, de la chute du mur de Berlin, des révoltes du printemps arabe...) mais également Agora grecque, le forum, le lieu de rencontre, d’ouverture, de partage, où la question des limites reste une question majeure ; les limites de l’espace public peuvent être physiques, fonctionnelles ou symboliques, et mouvantes selon les usages, selon les pays et les civilisations... six films portant sur six villes (Bordeaux, Skopje, Tokyo, Beyrouth, Mexico et Ouagadougou) dresseront un état des lieux dont on pourra mesurer la variabilité selon la nature des cadres posés, selon la prédominance des paramètres économiques, symboliques ou pratiques qui y sont en jeu.

A l’heure où toutes les villes occidentales s’attachent à créer des espaces publics inclusifs, sympathiques, débarrassés de leurs voitures, le risque est grand de voir se développer partout les mêmes aménagements propres, lisses, sans surprise, aseptisés voir stérilisés.

Légiférer ou réglementer. L’obligation ou l’interdiction ?

« Dans une société inquiète, voire angoissée, à la recherche de « zéro risque absolu », la norme a vite colonisé tous les secteurs de la sphère publique. Pour chaque question, pour chaque éventualité, pour chaque doute, la réponse est la même : légiférer ou réglementer. L’obligation ou l’interdiction, selon les cas, surgit, tel un réflexe conditionné ; elle s’impose dans son uniformité, sa rigidité, et parfois son absurdité au responsable local, où qu’il soit et quelles que soient les circonstances locales. La norme s’impose aussi dans ses excès à un citoyen qu’elle est pourtant censée servir et protéger...

Ce sont les organes vitaux de la démocratie que frappent les quelques 400 000 prescriptions techniques aujourd’hui applicables aux collectivités territoriales : le droit, ravagé dans sa crédibilité et son autorité ; la sécurité juridique, victime directe d’une frénésie textuelle devenue chronique ; et surtout l’élu local, fonctionnarisé, parfois infantilisé...

Le centralisme normatif transforme l’élu en administrateur, substitue l’expertise technique à la légitimité des urnes, et change la gestion par l’action en gestion par l’intendance. »

Extrait de la maladie de la norme. Rapport d’information de Claude Belot, Sénat 16 février 2011.

Être acteurs dans l’espace public:

Dans le champ de l’espace public, le risque est grand de voir se développer partout les mêmes aménagements propres, lisses, sans surprise, aseptisés voire stérilisés. Les enfants n’ont plus le droit de jouer que dans les lieux aménagés à cet effet... En général identiques et peu créatifs... Mais réglementaires.

Finis les tracteurs hors d’usage qui restent quand même le meilleur jeu d’enfant jamais imaginé (et sans doute le moins cher). Fini le linge qui sèche aux fenêtres, les pots de fleurs devant la porte, le fauteuil que l’on sort sur le trottoir pour prendre le frais, les jambes qui pendent dans le vide quand on s’assied au bord de l’eau, les fenêtres que l’on ouvre dans le train ou dans le bus... Et pourtant chacun en a la nostalgie et l’incroyable succès de la highline à New York est une preuve éclatante de cette envie nouvelle des habitants d’être acteurs dans l’espace public.

Nicolas Soulier, dans son ouvrage « Reconquérir les rues » (Ulmer 2012), faisant référence à l’ouvrage de Christophe Dejours, « le facteur humain » (Puf 2010) résume parfaitement les deux attitudes possibles adaptables à l’urbanisme et à l’espace public.

« La démarche 1 (défaillance) voit dans les conduites humaines l’exécution plus ou moins dégradée de conduites idéales dans des situations artificielles, les analyses en terme de défaillances, d’erreurs, de fautes, et les considère comme des sources de problèmes, cherchant les moyens de les contrôler, et d’empêcher les accidents qui leur sont imputables. L’objectif est alors la sécurité ; la qualité devenant secondaire et non liée à la question de la sécurité. Comme on peut prévoir qu’il y aura des inconduites et des défaillances, on doit prescrire et discipliner les conduites avec des normes fonctionnelles sans référence aux valeurs qui les motivent. On doit donc autant que possible substituer des automatismes à l’homme. La part de responsabilité revenant aux hommes n’est pas prise en considération.

La démarche 2 (ressource) s’attache à savoir comment mobiliser, développer et gérer les hommes en tant que ressources, considère les échecs comme normaux, et à ne pas assimiler à des défaillances ou des fautes. L’objectif principal est alors la qualité ; la sécurité est un sous produit de la qualité. On doit faire une place à l’accidentel, à l’imprévu, à l’inconnu, car on œuvre dans le mouvant, le changeant, l’inédit. On doit faire une place à l’interprétation, à la délibération, à ce qui doit être ajusté, réaménagé, imaginé, inventé, ajouté à l’ingéniosité, à l’innovation.

C’est une démarche plutôt ordonnée par référence à la notion de culture, c’est-à-dire essentiellement à des valeurs relatives au juste et à l’injuste au désirable et à l’indésirable etc. Ses leitmotivs sont confiance/surveillance et assistance mutuelle, intervention régulatrice/arbitrages, interdictions ; frontières symboliques/respect. A long terme, c’est vraiment une démarche de sécurité même si elle est délicate car toujours susceptible d’être déséquilibrée, comme tout processus vivant complexe. »

L’espace public doit rester complexe. Rien ne doit pouvoir le confisquer aux hommes. Surtout pas les normes. Et si nous décidions de prendre le pouvoir sur elles ?

Pendant la biennale Agora, 4 jeux pour enfants et pour adultes ayant gardé leur âme d'enfant seront installés dans l'espace publique en première présentation, puisque tous sont nés de l'imagination des lauréats du Prix Agora Design 2014.

« Mind the cat »

est un parcours réalisé par Agora d’après une idée originale d’Anabel Albrech et Sandrine Mercurio, les gagnantes du prix du Design Agora 2014 dont le thème était « Un jeu d’enfant ». Cette balade dans la ville part à la recherche de 7 anamorphoses d’animaux origami. À chaque étape, des indices permettent de se rendre à la suivante... un itinéraire ludique et décalé pour permettre aux enfants de découvrir des lieux emblématiques de Bordeaux.

Du 8 septembre /14h au 14 septembre - Départ : éléphant des Quinquonces

« Statbond »

Charlotte Dutil et Sarah Grison ont obtenue la deuxième mention du prix design Agora 2014 pour la simplicité et les différentes formes qu’elles proposent aux enfants sans dénaturer l’espace urbain.

C’est un parcours que les enfants peuvent s’approprier simplement, grâce à la présence d'éléments urbains qu’ils ont l’habitude d’intégrer à leurs jeux. Plus visibles, ces traces favorisent le recours à leur imagination, celle qui fait d’une ligne de dalle un pont de lave !

Du 11 au 15 septembre - Mairie du quartier Saint Augustin © Duthil Charlotte & Grison Sarah

Mais aussi ...

Un labyrinthe aux Chartrons, où les enfants pourront venir se perdre dans un labyrinthe éphémère conçu spécialement pour eux. Du 11 au 15 septembre / Quais des Chartrons face au cours Xavier Arnozan)

« Oh ! Mais quel chantier ! » Du 8 septembre / 14h au 14 septembre Place de l’Eglise de Caudéran

La 6ème biennale d’architecture, d’urbanisme et de design de Bordeaux, Agora 2014, c’est parti

Une brique de lait dans la cour de l'Hôtel de ville de Bordeaux

Certaines impasses de Bordeaux font l’objet des plus belles inspirations…

Palmarès des prix Agora 2014

Certaines impasses de Bordeaux font l’objet des plus belles inspirations…

Exposition à ciel ouvert « Les impasses sont le lieu de mes plus belles inspirations »

Après la brique de lait à l'hôtel de ville de Bordeaux, pour Agora 2014, les impasses seront revisitées par l’artiste Jean-Baptiste BLOM en partenariat avec l’ECV Bordeaux. A travers ses installations photographiques, il pose un nouveau regard sur ces espaces souvent méconnus. A travers ce circuit, les places récemment aménagées seront également explorées.

Au-delà des grandes compositions urbaines et des perspectives monumentales, il est des lieux qui font le charme de l’espace public, parce qu’ils échappent à cette régularité et qu’on ne découvre qu’à force d’arpenter la ville dans ses moindres recoins.
Les impasses sont de ces lieux-là.

Pour la Biennale de Bordeaux, architecture-urbanisme-design, l'artiste Jean Baptiste Blom, photographiste, va créer de grandes images poétiques à découvrir dans les impasses du centre de Bordeaux.

Suivant à la lettre les mots de Milan Kundera dans « Risibles amours », une exposition de toiles imagées entre les murs d'une dizaine d'impasses laissera apparaître en «deuxième» lecture l'espace urbain qui file dans l'impasse au travers de cette vision inattendue. Chaque signe ou chaque objet représenté illustrera un lien de mesure ou de démesure...

Ces images poétiques seront espiègles, bizarres, curieuses, étonnantes, étranges, extravagantes, insolites, originales, surprenantes, risibles... Elles valoriseront ainsi des espaces méconnus de la ville en attirant un autre regard sur leurs implantations dans le tissu urbain et leurs possibilités de rénovations.

Exposition à ciel ouvert - Quartier Saint Eloi - Du 4 au 22 septembre

Vernissage le samedi 6 septembre à 14h, impasse Maucouyade en présence de Jean-Baptiste Blom (photo-graphiste)

Visite avec guide conférencier - samedi 13 et dimanche 14 septembre à 11h

Rendez-vous à Bordeaux Patrimoine mondial, Place de la Bourse

Durée de la visite : 2h

Tarif : 9 € / 8 € tarif réduit

Les Corses et la Grande Guerre au Musée de la Corse - Corte

Voilà pour conclure une actualité bien chargée, le blog de l’habitat durable qui s’en va prendre un peu de liberté estivale en ce mois d’août, vous entraine dans les antres du Musée de la Corse, à CORTE. Et oui la Corse ses rivages de toutes beautés recèle bien d’autres splendeurs à découvrir, tels que son patrimoine culturel et historique.

En cette année 2014, qui marque le centenaire de la Grande Guerre, le Musée de la Corse a souhaité présenter une exposition consacrée aux Corses et à la Grande Guerre à partir du 21 juin 2014. Une exposition labellisée par la Mission du centenaire de la Première Guerre mondiale comme projet innovant et structurant pour le territoire.

Cet événement met en lumière ce conflit qui marque un tournant dans l’histoire contemporaine européenne et régionale : s’il n’a pas engendré d’opération militaire sur le territoire, il est souvent dénoncé comme marquant la fin de la société traditionnelle insulaire corse.

Cette exposition évoque les hommes et les femmes impliqués à des degrés divers dans ce conflit en tant que témoins et acteurs de cette période de l’histoire et les bouleversements à court, moyen et long terme, que la Grande Guerre a entraînés ainsi que les modifications socio-économiques inéluctables qu’elle a impulsées dans la société corse et ce jusqu’à nos jours, nourrissant la mémoire collective et les imaginaires sociaux et politiques.

Cette exposition se veut un lieu de réflexion et de compréhension qui nous parle de singularité et d’uniformisation, reliant des trajectoires individuelles à l’histoire régionale et aux grands événements internationaux fondateurs de l’entrée de l’Europe dans le XXe siècle.

Ce projet d’exposition est l’occasion de proposer une nouvelle lecture de la Grande Guerre en rendant compte des dernières avancées scientifiques sur ce sujet et de susciter une réflexion sur les notions de mémoire, de représentation et de construction politique autour d’un événement fondateur.

La multiplicité de médias présentés (photographies, peintures, dessins, sculptures, audiovisuels, journaux, affiches, effets personnels, uniformes, armes, partitions, carnets, jouets, armes...) sont autant de vecteurs pour illustrer les dimensions globales, à la fois économiques, politiques, sociales, culturelles et anthropologiques, de ce conflit.

Construite autour de quatre thématiques distinctes, l’exposition Les Corses et la Grande Guerre présente plus de 600 objets.

Séquence I

LA CORSE À LA VEILLE DU CONFLIT, UNE PÉRIPHÉRIE EN CRISE

Une économie insulaire en crise Une périphérie française La naissance d’une identité corse

Séquence II

LES CORSES EN GUERRE, DES HOMMES MOBILISÉS

La mobilisation Une guerre moderne Les régiments « corses » S’évader pour tenir Religion et expression de la foi Ecrire pour survivre Photographier pour témoigner Échapper au front

Séquence III

UNE SOCIÉTÉ INSULAIRE « EN GUERRE »

Propagande et « bourrage de crâne » Un effort de guerre sans précédent Une île, terre de relégation et d’exil Les souffrances d’une île

Séquence IV

DU DEUIL AUX MÉMOIRES, CONSÉQUENCES ET SOUVENIR DE LA GRANDE GUERRE

De la fin du conflit à la mythification de la Grande Guerre Entre souvenir obsessionnel et traumatisme Une Corse nouvelle ? Le cas de la Corse : une mémoire vive et tourmentée

• Un espace dédié au jeune public propose un parcours qui aborde le sujet sous un angle interactif : AU CŒUR DES TRANCHÉES.

• En contrepoint de l’exposition, des photographies et une installation vidéo viennent illustrer le thème : L’UMANA AMBIZIONE + NOTRE SIÈCLE.

• Un colloque interdisciplinaire international « MINORITÉS, IDENTITÉS RÉGIONALES ET NATIONALES EN GUERRE 1914-1918 » organisé par le musée de la Corse les 19 et 20 juin 2014 à l’université de Corse.

Alors que la Corse a été géographiquement éloignée du front, la mémoire de la Grande Guerre demeure extrêmement vive dans l’imaginaire insulaire. Ici, peut-être plus qu’ailleurs, ce conflit a marqué un tournant dans l’histoire contemporaine régionale. Cette exposition propose une nouvelle lecture de la Grande Guerre et de ses répercussions en Corse en remettant en question les mythes et les stéréotypes et en explorant les imaginaires sociaux et politiques. À travers plusieurs centaines de documents et d’objets, le visiteur est replongé aussi bien dans les tranchées avec les poilus corses, que dans le quotidien de l’arrière insulaire. L’avant-guerre et les décennies qui suivent celle-ci permettent une mise en perspective des conséquences du conflit.

Le parcours s’organise en quatre séquences principales, destinées à mettre en lien l’histoire globale avec la «petite histoire» des communautés corses au sein du premier conflit mondial.

SÉQUENCE I

LA CORSE À LA VEILLE DU CONFLIT, UNE PÉRIPHÉRIE EN CRISE

Le déclenchement de la Grande Guerre signe la fin de la Belle Époque qui, comme dans de nombreux départements, est loin d’être une période florissante pour l’ensemble de la société insulaire. La dégradation de l’économie, dont la crise remonte à la fin du XIXe siècle, permet de mieux comprendre le processus migratoire qui, pour beaucoup de Corses, va devenir une échappatoire à la misère. À la veille du conflit, la Corse occupe une place stratégique en Méditerranée comme le prouve le renforcement des fortifications de Bonifacio et de Bastia face à un voisin transalpin membre de la Triplice depuis 1896. Cette menace irrédentiste cristallise l’enracinement du patriotisme français. Celui-ci n’entrave cependant pas l’expression d’une identité corse, à la fois vecteur de la républicanisation entre 1870 et 1914 mais aussi support du mouvement régionaliste apparu en réaction à l’état « d’île oubliée et abandonnée » dans laquelle se trouve l’île en 1914.

SÉQUENCE II

LES CORSES EN GUERRE, DES HOMMES MOBILISÉS

De 1914 à 1918, environ 52 800 mobilisés et 2 000 à 3 000 engagés volontaires corses ont répondu à « l’appel de la patrie ». Par sa modernité, cette Grande Guerre va marquer l’entrée de l’Europe dans le XXe siècle.

Mais pour ces combattants d’origine insulaire, ce conflit est avant tout synonyme d’exil même si des régiments marqués par une forte présence corse permettent l’affirmation d’une identité singulière au sein de la nation « en armes ». Comme tous les poilus, les combattants insulaires connaissent la vie dans les tranchées et y adoptent des pratiques, aux formes parfois héritées de leurs spécificités culturelles, comme la solidarité ou la religiosité, leur permettant de tenir dans l’enfer des premières lignes. Parmi celles-ci la correspondance des combattants avec leur famille matérialise ce lien viscéral, cette véritable ubiquité, conservés avec l’île. Elle démontre à quel point l’identité corse survit à la guerre.

Alors que le conflit se fait de plus en plus meurtrier, la combativité des poilus corses n’empêche pas, comme ailleurs, de voir apparaître des stratégies d’évitement destinées à échapper de manière « officielle » au front, c’est-à-dire sans que soit remis en cause le patriotisme des soldats insulaires.

SÉQUENCE III

UNE SOCIÉTÉ INSULAIRE EN GUERRE

Si le territoire insulaire est éloigné du front, la société corse n’en a pas moins été directement confrontée au conflit. Les conséquences économiques se font d’autant ressentir que l’île déjà dépendante de ses importations avant la guerre doit faire face à la pénurie provoquée par la réduction des rotations maritimes.

Pourtant, la population locale, décrite en 1908 dans le rapport Clémenceau, comme la plus pauvre d’Europe, a largement participé financièrement à l’effort de guerre. Patriotisme et volonté de hâter la fin du conflit et le retour des mobilisés sont à l’origine de cette participation massive aux quêtes et aux emprunts nationaux. Le « bourrage de crâne » fait certes son œuvre... au point d’être intégré dans les esprits insulaires sans toutefois déclencher une haine du Boche à laquelle les 2 000 prisonniers de guerre et internés en captivité dans l’île auraient pu faire face.

De même, l’accueil réservé par la population corse aux réfugiés serbes et juifs démontre que l’hospitalité et la solidarité conservent tout leur sens. Pourtant, la société insulaire souffre du conflit à travers l’apparition des mutilés, l’annonce des morts et des disparus ainsi que les ravages de la grippe espagnole.

SÉQUENCE IV

DU DEUIL AUX MÉMOIRES, CONSÉQUENCES ET SOUVENIR DE LA GRANDE GUERRE

Au-delà des incalculables conséquences démographiques du conflit, le poids du deuil dans les familles insulaires aux lendemains de la Première Guerre mondiale se mesure à travers le souvenir des 10 à 12 000 Corses « morts au champ d’honneur ». Ce véritable traumatisme collectif explique le mythe des 40 000 morts, l’instrumentalisation de celui-ci et les reconstructions mémorielles apparaissant dans les affrontements idéologiques et partisans que se sont livrés différents courants ou formations politiques insulaires de la fin des années 1920 jusqu’à nos jours. Le souvenir de ce conflit s’inscrit donc dans un rapport singulier avec la nation. Depuis le début des années 2010, ce poids mémoriel persiste à travers le nouveau combat qu’animent diverses associations réunies dans un collectif pour la réhabilitation en droit des fusillés corses pour l’exemple de 14-18.

AU CŒUR DES TRANCHÉES

Exposition destinée au jeune public (6-11 ans)

Ce parcours destiné au jeune public s’offre comme un sas de sensibilisation à la visite de l’exposition Les Corses et la Grande Guerre.

Comment franchir le fossé du temps et rendre cette histoire accessible à des enfants dont le quotidien est à des années lumières des tranchées ? Ce sont leurs arrière- arrière-grands-parents qui ont peut-être vécu la Grande Guerre... Comment évoquer l’horreur sans traumatiser ? Impossible de faire revivre tel quel l’enfer des tranchées.

Au cœur des tranchées relève le défi en traitant ce pan d’histoire sous l’angle de l’émotion et du vécu quotidien. Centré sur l’humain et les sensations, le parcours, qui propose une série d’expériences subjectives et sensorielles, est un outil qui permet de faire sens de ces fragments, de prendre de la distance et de s’interroger sur l’Histoire.

La scénographie développe un univers qui mêle des éléments très réalistes avec une évocation plus symbolique des tranchées. Empruntés au registre visuel militaire, le graphisme aux couleurs franches, évoque les rubans des médailles, le mobilier rappelle les caisses et cantines.

Le matériau dominant est la couverture grise. Tantôt pliée tantôt roulée, utilisée pour évoquer les sacs de sable, les bandages ou pour former les parois d’un espace plus intimiste, elle évoque par sa texture râpeuse l’inconfort de la guerre. Symbole de protection aussi, elle réconforte et aide le soldat à lutter contre le froid.

SUR LE QUAI DU DÉPART

En préambule au parcours, une fresque panoramique d’un quai d’embarquement sert de point de rassemblement pour les visiteurs. Le décor campe l’ambiance qui préside au début de la campagne. Personne ne s’imagine alors en « prendre » pour 4 ans...

EN ROUTE VERS LE FRONT

L’image du départ laisse la place à un environnement rappelant celui des tranchées. Promiscuité, rats et poilus figés au fond du cul-de-sac montrent qu’on s’enfonce dans le conflit.

LA TRANCHÉE DES ÉMOTIONS

La vie dans les tranchées. Une suite d’illustrations inspirées de documents pris sur le vif retrace le quotidien du soldat.

Le bruit et les odeurs des tranchées.

Sons et odeurs sont diffusés dans ce boyau pour faire ressentir l’environnement sensoriel, celui des soldats confinés dans leur tranchée.

Le refuge des pensées. Un ensemble de boîtes représentant les souvenirs et pensées permettent de s’immerger dans les pensées d’un poilu. Une manière de montrer que la guerre touche les acteurs au front, mais aussi ceux qui sont restés au pays.

LES INDISPENSABLES

Le barda. Les enfants décryptent le contenu d’un barda. Accessoires réglementaires, objets intimes, voire insolites aident à supporter physiquement et moralement cette situation extrême qu’est la guerre. Le poids du barda. Un dispositif permet d’expérimenter physiquement ce que représentent ces 35 kilos.

RÉCITS DE VIE

Implanté au cœur du parcours un espace audiovisuel diffuse des récits de soldats en bande dessinée.

LA MÉMOIRE

Trois écrans tactiles permettent la consultation des carnets réalisés dans le cadre du concours Les petits artistes de la mémoire, la grande guerre vue par les enfants, organisé par l’Office National des Anciens Combattants et Victimes de Guerre. Les enfants réinterprètent l’histoire personnelle d’un poilu et deviennent à leur tour vecteurs de cette mémoire.

• COIN LECTURE Albums, livres documentaires, BD, livres de poésie sont mis à disposition pour en savoir plus.

• SUPPORT PÉDAGOGIQUE En début de parcours, les jeunes visiteurs se voient remettre une petite besace qui contient un support individuel, le petit journal de la Grande Guerre. Ce carnet propose pour chaque thème une activité. Tout au long du parcours, l’enfant récolte des vignettes illustrées, « fragments » d’expérience, qui, découpées, commentées et collées dans le carnet permettent de prolonger l’expérience de visite.

L’UMANA AMBIZIONE + NOTRE SIÈCLE

En contrepoint de l’exposition les Corses et la Grande Guerre

Photographies : Jean-André BERTOZZI / Installation vidéo : Leonardo BOSCANI

Un projet dont l’objectif est de mener une réflexion sur la dimension historique de la mémoire.

L’UMANA AMBIZIONE :

Ces 21 portraits réalisés entre 2002 et 2005 par Jean-André Bertozzi mettent en scène les derniers survivants des îles de Corse et de Sardaigne de la première Guerre mondiale. Ces images sont devenues aujourd’hui des objets d’histoire.

Avec le temps, les ultimes témoins de ce conflit ont disparu... Ne restent aujourd’hui, outre leur images muettes, que les paroles d’un de ces anciens que Leonardo Boscani a inscrites dans une installation vidéo : « La conta ». Une ronde enfantine, sur un fond d’hymnes nationaux, vient rythmer l’apparition de ces paroles perdues.

Des images et des paroles comme les derniers échos d’un siècle qui lentement s’éloigne de nous.

NOTRE SIÈCLE :

Le visiteur passe dans un labyrinthe de visages qui le mène vers une sculpture photographique : « Notre siècle ». Cette stèle de verre sortant du sable nous présente un premier regard sur ce siècle. Ces images en couleurs, comme un siècle naissant, ont été faites juste avant que ne cesse la tranquillité : un coin de verdure dans un champ, des officiers dans leurs beaux uniformes, mais déjà au loin le bruit du canon...

De multiples témoins, aujourd’hui muets, qui nous renvoient vers un souvenir unique : notre inconscient collectif.

RENSEIGNEMENTS PRATIQUES

Dates :

21 juin 2014-28 mars 2015

Lieu :

Musée de la Corse, Citadelle de Corte - 20250 CORTE

Coordonnées :

museedelacorse.info@ct-corse.fr Tél. : 04 95 45 25 45 Fax. : 04 95 45 25 36

Horaires :

Du 22 juin au 20 septembre : 10 h - 20 h tous les jours

Du 21 septembre au 31 octobre : 10 h - 18 h tous les jours sauf les lundis

Du 1er novembre au 28 mars : 10 h - 17 h tous les jours sauf les dimanches, lundis, fériés et 24 décembre FERMETURE ANNUELLE Du 31 décembre au 14 janvier inclus

Commissariat :

Sylvain GREGORI, Attaché de conservation du patrimoine, Docteur en histoire de l’université de Provence, Chercheur associé au CMMC-Université de Nice et Président et cofondateur de l’association d’histoire militaire corse Sintinelle. Jean-Paul PELLEGRINETTI, Professeur des Universités, Responsable de l’ANR ICEM (Centre de la Méditerranée Moderne et Contemporaine Université de Nice-Sophia Antipolis).

Scénographie :

Yves Kneusé, architecte scénographe et Charlotte Vaillant, architecte intérieur

Graphisme :

Gaëtan Laroche

Publications :

• Catalogue et brochure de l’exposition Les Corses et la Grande Guerre Coédition Musée de la Corse, CTC/Albiana

• Bande dessinée AIÒ ZITELLI ! Récits de guerre 14-18 Coédition Musée de la Corse, CTC/Albiana

Activités pédagogiques :

Visites guidées et ateliers à destination du jeune public

(6-11 ans) et des classes Réservation : 04 95 45 26 02 jeanne.luciani@ct-corse.fr Visites guidées à destination des collèges et lycées Réservation : 04 95 45 26 06 cecile.liberatore@ct-corse.fr

Visites guidées :

Visites guidées à destination des groupes.

Réservation : 04 95 45 26 06 cecile.liberatore@ct-corse.fr

www.musee-corse.com